"Algunos discos que hicieron historia , o Algunas historias que se hicieron discos "

Esta seccion apunta de alguna manera  , a establecer algunas recomendaciones , (humildemente) de una serie de discos , que arbitrariamente , (como toda seleccion)  , no solo ya de musica popular americana , sino de otras geografias desde ya  , nos interesa que los lectores  , nos manden discografia , que les resulte interesante .



Astor Piazzolla En vivio en el central park" (grabado en 1987 y editado en 1994en EEUU TANGO CONTEMPORANEO)


Este quinteto realmente mostraba un nivel de organicidad funcional increible , realmente un sonido impecable , cada instrumentista desarrollo aqui su capacidad al maximo , para quines no canosca la musica de Piazzolla , les dejo una breve reseña biografica , de mi autoria . Mis favoritos de este disco son la muerte del angel y contrabajisimo entre otros .
 Este hombre , Astor Pantaleón Piazzolla, nacido el 11 de marzo de 1921 en la ciudad de Mar del Plata, pasó la infancia entre Buenos Aires y Nueva York - más en la segunda ciudad que en la primera. Empezó a estudiar música a los 9 años en los Estados Unidos, dando continuidad en Buenos Aires y en Europa. En 1935 tuvo un encuentro casi místico con Carlos Gardel, al participar como extra en el film El Día que me Quieras.
Su carrera comienza verdaderamente al participar como bandeonista en la orquesta de Aníbal Troilo. En 1952 gana una beca del gobierno francés para estudiar con Nadia Boulanger, quien lo incentivó a seguir su propio estilo. En 1955 Astor vuelve a casa y forma el Octeto Buenos Aires. Su seleccionado de músicos - en un experiencia similar a la jazzística norteamericana de Gerry Mulligan - termina por delinear arreglos atrevidos y timbres poco habituales para el tango, como la introducción de la guitarra eléctrica.
La presencia de Astor generó de entrada resquemores, envidia y admiración entre la comunidad tanguera. En los años '60 Piazzolla debió salir a defender a golpes de puño su música, avasallada por las fuertes críticas. La controversia iba a propósito de si su música era tango o no, a tal punto que Astor tuvo que llamarla "música contemporánea de la ciudad de Buenos Aires". Pero no era sólo eso: Astor provocaba a todos con su vestimenta informal, con su pose para tocar el bandoneón (actuaba de pie, frente a la tradición de ceñirse al fueye sentado) y con sus declaraciones que sonaban a reto.
La formación de la primera parte de los 60 fue, básicamente, el quinteto. Su público estuvo integrado por universitarios, jóvenes y el sector intelectual, si bien estaba lejos de ser masivo. Astor ya tenía fama de duro y bravo, de peleador, estaba en pleno período creativo y se rodeó de los mejores músicos.
Con Adiós Nonino, Decarísimo y Muerte de un Ángel comenzó a elaborar un camino de éxito que tendría picos en su concierto en el Philarmonic Hall de Nueva York y en la musicalización de poemas de Jorge Luis Borges
En sus últimos años, Piazzolla prefirió presentarse en conciertos como solista acompañado por una orquesta sinfónica con alguna que otra presentación con su quinteto. Es así que recorrió el mundo y fue ampliando la magnitud de su público en cada continente por el bien y la gloria de la música de Buenos Aires.
Astor Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, pero dejó como legado su inestimable obra - que abarca unos cincuenta discos - y la enorme influencia de su estilo. En realidad, la producción cultural sobre Piazzolla parece no tener fin: se esparce al cine y al teatro, es constantemente reeditada por las discográficas y cobra vida en la Fundación Piazzolla, liderada por su viuda, Laura Escalada.

Bibliografia consultada :

Donozo, Leandro. "Aportes para un bibliografía sobre Astor Piazzolla", en: García Brunelli Omar (comp.). Estudios sobre la obra de Astor Piazzolla. (Buenos Aires: Gourmet Musical Ediciones, 2009), p.245-262

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Papa Roncon Katanga (Ecuador , Afroecutoriana)
Este es un disco de Papá Roncón y Katanga, representantes de la música negra de Ecuador.Papá Roncón es un antiguo ejecutante de la marimba, instrumento negro si los hay, que además de tener grandes intérpretes en Africa también se ha difundido por las colonias afros de nuestro continente. Este disco es muy interesante, y lo disfrutarán especialmente aquellos melómanos que conocen la música africana, por ejemplo el catalogo africano de Real Word. Una sorpresa es que no hay relación directa, un parentesco evidente con la música negra peruana como alguien que no conoce hubiera esperado encontrar.

Papa Roncon "Marimba magia"( Ecuador afroecuatoriano)

El disco está muy bien grabado y se advierte la maestría de Roncón como conocedor de los códigos de la música popular. En este sentido la obra resulta honesta y sincera y no se percibe ningún comedido del primer mundo tratando de "mejorar" la perfomance de los nativos (me viene a la cabeza el bochornoso slide de la guitarra de Ry Cooder, inundando todo el "Bella Vista Social Club").
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Rendez Vous Porteño (1956 Argentina -TANGO Y JAZZ)

Dizzy Gillespie junto a Osvaldo Fresedo
La sobriedad de Fresedo contrasta con el gesto humorístico, casi disparatado, del trompetista. Pero más allá del exotismo de la pose gillespiana -nada raro en él, que en su gira por el norte de Africa se había calzado los atuendos de un bereber-, el hombre de tango y el hombre de jazz pertenecían a sensibilidades musicales diferentes. Se ha hablado mucho de las similitudes entre dos músicas portuarias, del siglo XX, sólidamente situadas por propios méritos en el corazón de la modernidad. Pero también podría señalarse la oposición entre las formas cerradas y básicamente camarísticas del tango y la celebración repentista y libre del jazz, entre el lirismo de ascendencia peninsular y los ritmos proliferantes de raíz africana.El encuentro Fresedo-Gillespie, ahora editado junto a otras piezas no tan interesantes en Rendez-vous porteño (Acqua Records), no oculta ni neutraliza esos contrastes. Al contrario: en ellos radica el interés de la reunión. Por una vez en la vida, un grupo de argentinos muy afortunados, que tal vez fueron a tomar una copa a Rendez Vous sin mayores expectativas, fueron testigos de una cita inusual.(Clarín.com)


Lista de temas

1.Vida mía (con improvisaciones de dizzy Gillespie)

2.Adíos muchachos (con improvisaciones de dizzy Gillespie)

3.Preludio nº3 (con improvisaciones de dizzy Gillespie)

4.Capricho de amor (con improvisaciones de dizzy Gillespie)

5.Enamorado estoy (canta Hugo Marcel)

6.Única (canta Hugo Marcel)

7.La viruta (Vicente Greco)

8.Sobre el pucho (canta Osvaldo Arana)

9.Viejo Buenos Aires (canta Osvaldo Arana)

10.Pimienta (Fresedo)

11.Fuimos (canta Oscar Serpa)

12.Tango mío (canta Agustín Magaldi)

13.Carillón de la Merced (canta Teófilo Ibáñez)

14.La cachila (Eduardo Arolas)

15.¿Por qué? (canta Teófilo Ibáñez)

16.El 11 (canta Teófilo Ibáñez)

17.El espiante (Fresedo)

18.El rebelde (canta Roberto Ray)

19.Metido (canta Roberto Ray)

20.Palabras de Osvaldo Fresedo


LES DEJO UNA NOTA SOBRE ESTA HISTORIA DE COMUNION MUSICAL
Dizzi Gillespie & Osvaldo Fresedo. Rendez Vous Porteño. Reunión de Gigantes


por Ruben Ferrero
Mayo de 2003
Biografías y Perfiles
Auspiciado por el Departamento de Estado del gobierno norteamericano, Dizzi Gillespie llega a Buenos Aires a fines de Julio de 1956, la primera de las cuatro veces que arribara a esta ciudad. Al llegar al gran City Hotel, no le permiten alojarse por ser negro -obviamente lo desconocían- y, junto a sus músicos se instala en el hotel Continental, que quedaba a pocas cuadras de donde actuaría.

El genial músico, además de tomar mate, comer asado y probar nuestros dulces, se interesó por escuchar tango. Lo conectaron con el maestro Osvaldo Fresedo, con quien grabó los temas “Vida Mía”, “Preludio Nº 3”, “Adiós Muchachos” y “Capricho de Amor”.
La placa llevó como título “Rendez Vous”, nombre de la boite que regenteaba Fresedo y donde se llevó a cabo esta proeza magnifica. El disco de 78 rpm tuvo mil copias que inmediatamente se agotaron, hasta que se reeditó en 1999.
LA ANECDOTA: El día que tenía que grabar, Dizzy pidió que le traigan a la puerta del hotel Continental un caballo, y vestido de gaucho, se dirigió hasta el conocido reducto de Fresedo a grabar el disco.
También en esta oportunidad, conoció a Lalo Schifrin, con quien tocó en su segunda vuelta en el año 1961. Volvió en 1971 actuando en el Coliseo junto a su quinteto formado por músicos negros y blancos. En su ultima visita (1979) actuó en un brillante y espontáneo concierto en el hoy consagrado Obras junto a otro gigante, el brasileño Hermeto Pascoal; ya estaba arreglado que volvía en 1992, pero su enfermedad no se lo permitió. Falleció en Nueva Jersey, a los 75 años, mientras escuchaba “Dizzy Me”.
Dizzy Gillespie junto a Charlie Parker, fueron los referentes del bebop, al lado de otros (T. Monk, Charlie Cristian), y las piezas claves, como los bateristas Kenny Clarke y Max Roach, que participaban del caldo de cultivo.
Entre algunas de sus despreocupadas declaraciones dijo “Quisiera ser un mensajero mayor del Jazz, y no como una de esas figuras legendarias, que tienen pies de yeso y se diluyen...”. Creemos que lo logró.
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Caribbean Jazz Project "Paraíso" (2001 EEUU) Jazz, Fusion, Latin Jazz, Afro Cuban Jazz

Esta agrupacion liderada por el vibrafonista Dave Samuels , no es simplemente una agrupacion de grandes estrellas , es por sobre todas las cosas un combo musical en el cual la busuqeda de la musicalidad es permanente , en el no se perciben artificios , gestos ampulosos , o interferencias auditivas con el escucha muy interesante .
Dave Valentin (flute); Dave Samuels (vibraphone, marimba); Steve Khan (guitar, guiro); Ruben Rodriguez (bass); Dafnis Prieto (drums, timbales); Richie Flores (congas, shekere); Luisito Quintero (timbales, percussion), Ray Vega (flugelhorn); Conrad Herwig (trombone); Poncho Sanchez (congas).




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Carme Canela trio "Introducing " (Jazz vocal -España -1996)

Seguimos tras la música de jazz con este álbum realizado en España en 1996, interpretado por la cantante jazzista catalana Carme Canela y que obtuvo el galardón de 'Disco catalán del año 1997' otorgado por RNE 4. Carme inició su carrera profesional muy joven como vocalista del grupo Orquesta Encantada (del que ya hemos ofrecido 2 entradas en este blog). Junto a otras efímeras intervenciones en grabaciones diversas (canciones infantiles, villancicos y una obra con Francesc Pi de la Serra) y a diversas colaboraciones con músicos y formaciones más o menos renombrados del mundo jazzístico nacional e internacional (Bruce Barth, Kurt Rosenwinckel, Laura Simó, Gorka Benítez, Carles Benavent…) ha buscado preferentemente su proyección profesional como solista vocal. En ese recorrido el CD que presentamos aquí fue el primer paso de esa trayectoria individual, más que bien acompañada por el trío formado por Joan Monné (piano), David Xirgu (percusión) y Raimon Ferrer (bajo). El CD reúne 11 temas diversos, bastante homogéneamente encajados en sus cualidades vocales (su amplitud, su timbre cálido y brillante, su fraseo personal…) entre los que no es fácil destacar algunos. Interesantes las versiones de 'Walking on the moon' o 'Ribbon in the sky' y el 'Afro blue' de Mongo Santamaría, aunque Carme nos parece más a gusto en cortes como 'Veracruz'. El grupo además ofrece dos temas propios en catalán (de Manné y Xirgu) que no rompen el encuadre general de esta grabación. En suma, una meritoria producción de una de nuestras pocas y más valiosas voces femeninas de jazz.

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Barroco Andino" Musica Maravillosa"( Chile 1975 folclore andino- Barroco clasico)


Este disco me refleja una busqueda , una investigacion desprejuiciada de la musica popular andina  este aspecto fue el que me motivo que me incentivo a incorporarlo   , una mirada de la musica clasica desde la popular.

Barroco Andino es un conjunto constituido por un grupo de jóvenes artistas que se han especializado en la ejecución de música culta y popular a través de un instrumental folklórico latinoamericano. La idea central del quehacer artístico del Barroco Andino parte de la premisa de que la música, por sobre distinciones usuales académicas, posee contextos expresivos que van más allá de lo espacial y temporal
Reseñabiografica wikipedia.
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Les Tambours de Brazzaville -Zangoula (Africa Percusion, 2000 )


 Este disco suena fenomeno lo recomiendo ampliamente , una mixtura muy intresante, Fundada en 1991 bajo la dirección artística de Jean-Emile Biayenda, los tambores de Brazza combinan tradición y modernidad. Los magos del ritmo y del cuerpo, los bailarines y músicos encargados de conectar con los ritos y gestos ancestrales y ofrecer un espectáculo dominado por el sonido de los tambores.

Este grupo contemporáneo demostró sin lugar a dudas que el Soul o el hip hop están en la más profunda tradición de los reinos bantú. Se transmite a las generaciones más jóvenes el significado simbólico del tambor del Congo .

En trece años, se han encendido las escenas de África, Europa y Japón, con sus álbumes Zangoula (2000), Ahaando (1997) y Les Tambours de Brazza (1996).
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"Grandes Guitarristas de Bolivia" (folclore guitarra  -Bolivia 1998)

Si bien desde nustro enfoque los discos compilados , suelen no exponer cabalmente las  propuestas esteticas de los  artistas ,  dado que  su edicion responde a las necesidades del mercado discografico en un periodo determinado , para una compania determinada , incluir este disco en esta seccion me resulto muy interesante , teniendo en cuenta particularmente el desconocimiento generalizado aue tenemos con respecto a los musicos Bolivianos en el resto de Latinoamerica ,  en esta garbacion   , nos encontramos con interpretes de la talla de , Alfredo Domínguez ,Hugo Barrancos o Rafael Arias entre otros .
Reseña biografica de algunos interpretes del disco.
eseña biografica de Alfredo Gimenez:

Nació en Tupiza el 9 de julio de 1938, este notable artista tomo  por primera vez una guitarra a los 13 años, para decir "lo que siente" en la zafra jujeña, una de las tantas provincias argentinas que sirven de escenario a las desventuras y esperanzas de numerosas familias bolivianas.

Ese rumbo lo definió primero como guitarrista; luego vinieron las composiciones, la pintura, la Peña Naira y el conjunto "Los Jairas", sin olvidar sus creaciones musicales para el cine nacional.

Finalmente el salto a Europa donde al cabo de algún tiempo las publicaciones especializadas en folcklore, se encargaron de despojar cualquier sospecha sobre la grandiosidad de su triunfo. Un triunfo que tenía su fundamento, una actitud ejemplar ante la vida. No otra cosa significa su plegaria ante el advenimiento de César Alfredo: "ojalá que mi hijo no sea como el gallo, que primero se aplaude para cantar".Conocido como notable folcklorista e intérprete, Alfredo Domínguez realizó una no menos valiosa labor en el campo de las artes plásticas. Realizó numerosas exposiciones de pintura y grabado en Suiza, alemania, Francia y participó representando a Bolivia en la bienal de grabado organizada en Roma por el Instituto Italo Latinoamericano.
Así callado, llegó de vacaciones a La Paz en julio de 1976; dio recitales y se fue a Tupiza a abrazar a sus padres, mientras seis grabados suyos estaban incluidos en una exposición colectiva que recorría ciudades europeas, muestra en la que estaban representados entre otros, Picasso, Dalí, Chagall, Leonor Fini y Clavé. En esa ocasión dijo: "El hombre es bueno y malo, es necesario corregir las injusticias sociales a un ser humano siempre con paternalismo; no me gusta eso de que lo llamen hijo; quisiera volver a ser el mismo alumno de tercer curso de primaria, para decirle a la profesora que los niños que no tenemos plata ni zapatos, también podemos hacer una ronda. Es ahí donde comienza la discriminación; alguna vez e corrido a ondazos a los pájaros, pero era para tener el estómago en paz. Somos pobres; pero en nuestro país existe una gran dosis de optimismo; somos pobres si, si, pero no nos dejamos aplastar por eso. Digo esto, porque si un europeo no come tres días es hombre muerto; y es esa la diferencia que me gusta. Una vez soñé a Bolivia dentro de una flor y lo mas lindo era que la flor crecía de aquí, no?; del corazón; con ese sueño hice una canción...".
Al término de su tímida aventura en la tierra, Domínguez deja más de 40 discos grabados, sus temas recorrerán por mucho tiempo los diversos países y sus pinturas aún serán incluidas en importantes exposiciones. Murió el 28 de enero de 1980 en Suiza, luego de vencer la distancia en la que le sorprendió la muerte y llegar desde la vieja Europa hasta el solar patrio, cuyo nombre paseó con orgullo por el mundo, Alfredo Domínguez llega por fin al suelo que lo vio nacer. El miércoles, desde temprano, la gente colmó el andén de la estación central a la espera del arribo del tren que conducía sus restos. Cuando se anunció su llegada en el triste ulular de las sirenas del ferrocarril, un mar de gente cubrió ya las calles, los padres acongojados y sus amigos más íntimos, algunos de la infancia, recibían el cuerpo yerto del artista. La escena de dolor resulta difícil de describir. En hombros de sus amigos A. Domínguez recorrió el camino al descanso eterno. Todo el pueblo lo acompaño en el último adiós.

(Fuente: Revista municipal Tupiza, octubre 2001)
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Sonny Rollins - Saxophone Colossus (1956-Jazz Hardboop )






El saxofonista tenor, Sonny Rollins es , un ejemplo de un musico que se reinventa  a si mismotodo todo el tiempo , esto, podriamos decir , es producto de una permanente autoevaluacion , una de las legendas vivientes del jazz, Nacido en 1930 en Nueva York , en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas, recorrio su larga trayectoria , se ha visto acompañado por  los mas btillantes musicos de jazz .

Sus comienzos , en la decada del 40 ya recorria el ambiente booper alli conoce a los mas grandes ejecutantes de musica,del genero, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell (el notable pianista de beboop), le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. luego de su paso por agrupaciones como la deMiles davis , grabo tambien con el mitico grupo "Modern Jazz Quartet" . pero sin embargo desde nuestra optica el punto culminante en su Saxophone Colossus , con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach en la batería , uno de los aspectos que siempre me intersaron entre todos los que podria señalar , es su habilidad a la hora de elegir la seccion ritmica , en particular los bateristas ,todos musicos que han sabido captar las intenciones musicales mas intimas de Theodore Walter "Sonny" Rollins. no he buscado el disco en internet pero debe estar en algun servidor, me gustaria poder pasrselo a ustedes pero no se hacerlo.



"Juntata linda en el litoral"(musica folclorica del litoral Argentino)



Abelito Larrosa Cuevas/Mateo Villalba



DOS REFERENTES DE LA MUSICA,  EXPERIMENTANDO EL LITORAL

Abel Larrosa Cuevas es músico. Desde muy chico, en su Victoria natal, este entrerriano adoptó el trombón como instrumento. Dio sus primeros pasos con el maestro Ingrao y luego comenzó un periplo que lo llevó a convertirse en solista de la orquesta estable del prestigioso Teatro Colón. Entre otros hitos de su importante y dilatada trayectoria con la música, Larrosa Cuevas pasó por la Orquesta Sinfónica Nacional y la Filarmónica de Buenos Aires, fue fundador de los Solistas de Música Contemporánea, que tocaban en el Instituto Di Tella, y creador de Bronces del Buen Ayre, único quinteto de metales en el mundo que toca tangos. Además, Abel Larrosa Cuevas es vecino de Tortuguitas desde hace más de 30 años.

Mateo Villalba: El músico nació en Curuzú Cuatiá - Barrio Las Flores- el 21 de septiembre de 1948. Su madre Juana Luke y su padre un mercedeño que se aquerenció aquí y trabajó para el Club Curuzú en los tiempos que regenteaba Don Anselmo ganancias.
De muy joven ya sentía la inclinación hacia la música y hacia ese instrumento que lo llevaría a ocupar un lugar preponderante en nuestro folclore correntino, la guitarra. A los 14 años, su hermano le compró una y comenzó a estudiar con Celestino López, cuya casa era punto de reunión de toda la gurisada de aquel tiempo.
Si bien siempre se inclinó para el lado del chamamé, siendo adolescente formó parte de Los Estudiantes conjunto en el que estuvo dos años, participó también en Los Guacamayos con los que hacían música tropical y luego pasó a integrar junto a Jacinto "Toí" Lezcano, Rubén Emilio Amarilla y Juan Manuel Velozo el cuarteto Mi provincia.
Años después surgió el Trío Melodía de música latinoamericana en el que ejecuta el requinto -guitarra americana mas pequeña que la criolla. En el año 1967 ingresa al conjunto "Los Corochiré" -los zorzales- que interpretaban música del litoral -"Pola" Raffo, "Kutú" Regúnaga, Edgardo Azeves, "Pirincho" Castro y Roberto Romero-.
En el año 1969 comparte una actuación con Ernesto Montiel lo cual determinó su ingreso al Cuarteto Santa Ana y su debut con el cuarteto se produjo el 9 de julio de 1971 con el que grabó un larga duración que se tituló "De serenata". En 1972, junto a Bartolomé Palermo formó "Palermo Trío" que ejecutaban música ciudadana -tangos-.
Con Antonio Tarragó Ros graba Amanecer de mi gente. Entre 1975 y 1980, acompañó a diversos intérpretes, Chacho Santa Cruz (1975), Rubén Juárez, con Nati Mistral recorre América latina (1978/79), Cuarteto de cuerdas para el folclore, formó también dúo de cuerdas con el cordobés Choli Soria (1977) tocando música clásica, jazz y ritmos latinoamericanos. En 1980 con Raúl Barboza y Nicolás Oroño forman un trío con quienes graba un disco y viajan a Canadá y Japón llevando nuestra música.
En 1981 lanza su primer trabajo La guitarra del chamamé, luego vendrían Música interior, Juntata linda del litoral con Abelito Larrosa Cuevas, Mistura, De regreso con las grandes voces de Corrientes y las Guitarras Chamameceras y en el año 2003 graba Mbaraca, su ultimo trabajo.
En 1997 realiza giras por todo el país con César Isella. En 1998 realiza 20 funciones acompañando a la cantante Soledad Pastorutti en el Teatro Rex y forma parte de su gira nacional como músico invitado.
Es autor de innumerables temas que fueron grabados, entre otros, por los Indios Tacunau, Antonio Tarragó Ros, los Hermanos Cuestas, Teresa Parodi, Los de Imaguaré, Pocho Roch, Rosendo y Ofelia, Coco Díaz, Argentino Luna, dúo Úbeda-Chávez, María Ofelia, las Hermanas Vera, Cacho Espíndola, y la lista es muy larga.
Desde 1985 es transcriptor oficial de música popular de la sociedad Argentina de autores y compositores (SADAIC) y creador de una escuela guitarrística; su enorme capacidad y calidad interpretativa lo ubica entre los más destacados instrumentistas

Fuente: http://www.corrienteschamame.com/

Juntata linda en el litoral



01 Paseando por Entre Ríos - Larrosa, A. chamarrita
02 El rancho e' la cambicha - Millán, M. rasguido doble
03 Allá por campo guazúVillalba-Etchegoyen chamamé
04 Simplemente Isaco - Villalba-Amarilla chamamé
05 Río Victoria - Larrosa, A. chamamé
06 Tuba toca schotis - Larrosa, A. schotis
07 Taita Celestino - Villalba, M. chamamé
08 Doña Lorenza la de mi tierra - Villalba-Sebastián chamamé
09 Que dulce es tu piel - Ojeda, R. galopa misionera
10 La guampada - Millán, M. chamamé
11 Campanas de domingo - Villalba-Abitbol chamamé
12 Alegría en Yaciretá - Larrosa-Villalba polka rural

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Mani Padme trio "Depois"(jazz Contemporaneo-Brasil)2006


Este es un disco medianamente nuevo, cuando el disco llego a mis manos en 2007 me alucino , el trio bajo la direccion del pianista Yaniel Matos ,  lo conforman Zeca assunpsao en contrabajo, Ricardo Mosca en Bateria , y el invitado ,  en saxo soprano ,  y  flauta traversa  Teco Cardoso , el empaste entre contrabajo y bateria es formidable, un sonido muy redondo , el piano y su manejo de los climas sonoros es muy interesante , un discurso sonoro coherente , delimitando infinidad de matices, Mis temas Favoritos son duo y, depois que le da nombre al disco , todas las composiciones son de Yaniel Matos


Gracias a Daniel Ortega quien entiende que no se como poner mis discos en el blog y me paso un link, no se si ya caduco pero intenten.

 link http://www.mediafire.com/?n2ymfut0n2m

1- Gabriela
2- A Princesa e o Mendiga
3- Depois
4- Ojos Verdes
5- Danzon
6- Encontro com o Mar
7- Duo
8- Recuerdo
9- Primavera


CHARLIE HADEN AND THE LIBERATION MUSIC ORCHESTRA: DREAM KEEPER (Jazz  world Music 1990 bluenote EEUU)


Este es un gran disco en el que  no solo se rememora a  la "Liberation Music Orquestra" que grabo en 1969   ese disco noatable de nombre homonimo   sino que parece ser un paso adelante (lo cual no implica juicios valorativos ) , un nuevo camino en otra direccion ,  en esta placa de 1990  aparecen excelentes instrumentistas , de una calidad notable , la seccion de vientos es increible , Charlie Haden (el padre del buen gusto y la musicalidad  ) en el contrabajo , Paul  Motian en la bateria y la brillante  direccion de  la pianista Carla Bley entre otros , ejecutantes   . La orquestacion y los arreglos han sido dos aspectos  realmente  muy logardos  en esta grabacion ,mis te mas favoritos son el Spiritual de  Haden dedicado a Malcom x y Luther King , "Sandino " , la parte del "Canto de Pilon" , y la Version de "Rabo de Nube" de Silvio Rodriguez  que si bien no es de mis artistas favoritos , este tema es muy bueno .

Carla Bley director


Charlie Haden Contrabajo

Dewey Redman saxo tenor ( MAESTRASO )

Joe Lovano tenor saxophone, flauta traversa

Branford Marsalis tenor saxophone (MAESTRASO)

Ken McIntyre alto saxophone

Tom Harrell trumpet, flugelhorn

Earl Gardner trumpet

Sharon Freeman french horn

Ray Anderson trombone

Joe Daley tuba

Amina Claudine Myers piano

Mick Goodrick guitar

Paul Motian drums

Don Alias percussion

Juan Lazzaro Mendolas pan pipes, wood flute

The Oakland Youth Chorus chorus

Elizabeth Min director

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Jatari - El grito de libertad ( Folclore de Ecuador)1976



La musica popular andina rescata toda las potencialidades de los pueblos que le dieron origen  , siendo  permanente muestra de toda la  riqueza  en la produccion simbolica propia del mundo andino , este disco es un gran ejemplo de esta caracterizacion es mas que interesante el trabajo vocal, y las ejecuciones de los instrumentos autoctonos de la region .
Es un grupo de música folclorica ecuatoriana , nacido en el año 1970, el cual es considerado uno de los fundadores del Canto Nuevo en este país, movimiento que encuentra sus equivalentes en el Nuevo Cancionero Argentino , la Nueva Canción Chilena o la Bossa Nova Brasileña, todos insertos en la Nueva Canción Latinoamericana, de profundo contenido social y que rescata elementos musicales índigenas y tradicionales de cada país.
Recogiendo la huella de agrupaciones como "Noviembre 15" y "Pueblo Nuevo", nace en el Instituto Ecuatoriano de Folklore, dependiente de la Universidad Central del Ecuador recopilando musica indigena en vista a la invasión cultural que se produce en vista del descubrimiento del petróleo, en vista al peligro que constituia la extranjerizacion de la cultura que podían desarraigar costumbres propias del pueblo ecuatoriano, todo ésto consecuencia de la dependencia económica de este país, donde empresas extranjeras como Texaco, Shell y United Fruit controlaban sectores estratégicos.
De este modo, proceden a colaborar en la fundación de la Escuela de Música Nativa, además de participar en los primeros certámenes de la canción popular Ecuatoriana en gremios, escuelas y vecindarios. A la par, el contacto que mantienen con los trabajadores les imprime un profundo sello social en sus líricas.
Como parte del rescate de elementos culturales típicos fueron recuperando y usando instrumentos como la ocarina (Prohibida en 1920 por Decreto), el pingullo, la dulzaina y la bocina, a la vez que fusionándolos con los de otros lugares, como el charango, la quena, la tarka, el siku, el pinkillo, el cuatro, el tiple o el bombo, con la idea de mostrar la unidad cultural de América Latina.
El análisis que este conjunto hizo de la realidad musical ecuatoriana, vinculado estrechamente con la realidad social de la época en América Latina, su contenido ideológico y su canto comprometido con el movimiento obrero son los elementos que caracterizan y hacen de Jatari un grupo que ha trascendido las fronteras y al tiempo.
Su formación original la constituían Carlos y Patricio Montilla, Rodrigo Robalino y Ataulfo Tobar. Si bien se separan en la década de los 80', vuelven a constituirse el año 2001, con Patricio Montilla (de la formación original), Enrique Sánchez, Marcelo Rodríguez, Héctor Noroña y Javier Hurtado.

link: http://www.mediafire.com/?muonmziybri
Fuente bibliografica:http://java.classical.com/liner/1725879c58c336e2b0c2d0fc1391ea6a/PAR01034.pdf

El Grito De Libertad (The Cry of Freedom) - 1976

1. Cargadores (Rodrigo Robalino-Patricio Montilla)
2. La acequia (Rodrigo Robalino-Patricio Montilla)
3. Albañiles (Rodrigo Robalino-Patricio Montilla)
4. Arquitectos (Jatari-Víctor Jara-Malvina Reynolds)
5. Guitarra al viento (Rodrigo Robalino-Patricio Montilla)
6. América, un nido (Rodrigo Robalino-Patricio Montilla)
7. La cueca de la libertad (Cirilo Vila)
8. El aparecido (Víctor Jara)
9. Plegaria a un labrador (Víctor Jara)
10. Sanjuanito de la escuela (Patricio Montilla)
11. Wawaki (Texto: tradicional quechua-música: Gerardo Guevara)
12. Danzante del desterrado (Jorge Enrique Adoum-Patricio Montilllo

Tres para el Folklore "Guitarreando"(trio de guitarras folclore argentino del NOA  1961 )


Este disco es formidable ,   un grupo que deja muy en claro la trascendencia  de la amplisima  , tradicion guitarristica Argentina con la voz formidable del Chito Zeballos , mis favoritos del disco son : Tren lechero (una galopa hermosa), Zamba del guitarrero, Canaro en Paris.
"Los Tres para el Folklore",  son un trío que se conformó naturalmente después de muchas guitarreadas en las peñas cordobesas de donde se conocían muy bien, con un riojano de Chilecito, Prudencio "Chito" Zeballos; un cordobés de San Vicente, Carlos "Lalo" Hommer y nuestro, Luis Amaya. El trío debutó el 17 de julio por LV2 , actuando luego en Radio Nacional. Pronto los oyentes se dieron cuenta de que no sólo interpretaban muy bien sus guitarras sino que eran distintos, novedosos, audaces, arriesgados... y discutidos. Otra actuación fundamental fue el 25 de enero de 1962 en el 2º Festival de Cosquín, donde fueron aclamados por el público y aprobados por la crítica que los consagró "revelación" junto a "Los Huanca Hua". Eso los animó a probar suerte en Buenos Aires, donde se radicaron por un tiempo, actuando en la prestigiosa Radio "El Mundo" el 21 de marzo de 1962. Debutaron en televisión en el programa de Nicolás Mancera, actuando también en Casino "Philips" y en peñas y otros espectáculos. Fue entonces que el sello "Philips" les ofreció un contrato que se concretó con la grabación de un primer disco que apareció en setiembre de 1962. Es un 33 rpm. doble con cuatro piezas instrumentales donde el trío demuestra su destreza en "Pájaro campana", "Misionera", "Tren lechero" y "Pasionaria". Con el tiempo este disco se convirtió en un clásico del género, un método de cómo se debe ejecutar la guitarra que tuvo gran influencia en la siguiente generación de guitarristas. Mientras estuvieron en la Capital actuaban en un bar de Astor Piazolla ubicado en Tucumán 676, lugar al que asistían a escucharlos grandes como Roberto Grela y Raúl Barboza.En 1963 se alejó del grupo "Chito" Zeballos para iniciar su carrera solista siendo reemplazado por Alberto Santiago Bértiz. También fueron convocados por Ariel Ramírez para el espectáculo "Otra vez folklore" en el Teatro Odeón con, entre otros, Los Chalchaleros, Ariel Ramírez, Jorge Cafrune y Jaime Torres. El trío tenía un segmento, "Virtuosismo y guitarras" donde recreaban lo mejor de su repertorio. Este sería uno de los últimos compromisos antes de su disolución. Luego Lalo Hommer se uniría a César Isella; Santiago Bértiz grabaría con Mercedes Sosa y Luisito acompañaría a Chito Zeballos.

A Luis le quedaba poco tiempo de vida... pero mucho por hacer todavía...
fuente biografica :
http://folklorenoaargento.blogspot.com/
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Irakere 30 años


Si bien desde nuestro modesto punto de vista , los discos de grandes exitos , no posibilitan acceder a una idea  medianamente acabada acerca de la concepcion estetica  , de un artista , hemos elegido este disco dado  que ,  recorre una porcion importante de la extensa discografia , de la mitica agrupacion cubana Irakere , formado hacia fines de la decada del "60" , por algunos musicos integrantes de la Orquesta Cubana de Música Moderna   entre ellos encontramos artistas como , Chucho Valdez , o Arturo Sandoval . en el grupo convivian el Jazz , la musica clasica , el impresionismo  y la musica afrocubana , en la decada del 70 a esta formacion propia de la orquesta cubana formal  se incorporo a instrumentos , como tambores batá, tambores abacuá, tambores arará, chequerés, erikundis, maracas, claves, cencerros, bongó, tumbadoras, güiro, etc., que han dado a la rítmica cubana ese sabor inconfundible, aspecto este que le da el toque de originalidad al grupo. A esto se añaden los contrastes vocales, bien sea en coro o en forma individual, utilizando giros dialectales afroides recogiendo aquella tradición que le ha legado a la música cubana uno de sus principales atractivos
 La agrupacion


link para bajar el disco
lista de temas :


1. Juana 1600 (Compuesta en 1974) 8:25

Autor: Chucho Valdés

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Voz líder: Dreisser Durruti

Piano: Chucho Valdés

Solo de guitarra: Jorge Chicoy

Solo de trompeta: Basilio Márquez / Alexander Abreu

Coro: Dreisser Durruti / Hammady Rencurrel / Yosvany González / Yaroldy Abreu

Solo alto: César López / Román Filiu

Solo tenor: Germán Velazco

Arreglo: Chucho Valdés


2. Nothing personal 6:28

Autor: Don Grolnick

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Piano: César López

Solo de trompeta: Basilio Márquez

Solo alto: Román Filiu

Solo tenor: Germán Velazco

Arreglo: Chucho Valdés


3. Zanaith (Compuesto en 1979) 5:28

Autor: Chucho Valdés

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Piano: Chucho Valdés

Solo saxo alto: César López

Solo saxo soprano: Germán Velazco

Arreglo: Chucho Valdés


4. Drume negrita 3:56


Autor: Emilio Grenet

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Voz líder: Mayra Caridad Valdés

Piano: Chucho Valdés

Coro: Bárbara Zamora / Joaquín Moré

Arreglo: Tony Pérez


5. 100 años de juventud (Compuesto en 1979) 6:12



Autor: Chucho Valdés

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Piano: Chucho Valdés

Arreglo: Chucho Valdés



6. Estella va a estallar (Compuesto en 1984. Versión de Stella by Estarlight) 11:56

Autor: Chucho Valdés / Ned Washington / Víctor Young

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Piano: Chucho Valdés

Solo de guitarra: Carlos E. Morales

Solo de trompeta: Basilio Márquez

Solo saxo alto: Román Filiu

Solo saxo soprano: César López

Arreglo: Chucho Valdés


7. Changó (Compuesto en 1987) 5:54


Autor: Chucho Valdés

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Voz líder: Dreisser Durruti

Piano: Chucho Valdés

Solo de guitarra: Jorge Chicoy

Solo de trompeta: Basilio Márquez

Coro: Dreisser Durruti / Hammady Rencurrel / Yosvany González / Yaroldy Abreu

Solo alto: César López

Arreglo: Chucho Valdés


8. Bacalao con pan (Compuesto en 1973) 5:29


Autor: Chucho Valdés

Acompañamiento: Chucho Valdés e Irakere

Voz líder: Joaquín Moré

Piano: Chucho Valdés

Solo de trompeta: Alexander Abreu

Coro: César López / Joaquín Moré

Arreglo: Chucho Valdés

Créditos:

Producción y dirección musical: • Chucho Valdés

Coproducción: • César López • Alexis Bosch

Grabación: • Eduardo Pérez

Asistente de grabación: • Rocío García

Mezcla: • Alexis Bosch • Eduardo Pérez • César López

Masterización: • Niurka A. Lecusay • Eduardo Pérez

Fotografía: • Alejandro Pérez

Diseño gráfico: • Tomás Miña

fuente del link :la musica que escucha carlos.

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Nana Vasconcelos - "Saudades" ( 1979Folk Brasil- jazz -fusion)


El gran percusionista Nana Vasconcelos  , nos deslumbra en este disco que se ha convertido en un clasico de su discografia  en el que pone de manifiesto  su enorme capacidad para recrear espacialidades sonoras  con la ayuda de musicos de excepcion del ambito del jazz y otras yerbas , mis temas favoritos son , O Berimbau y Cego Aderaldo de Gismonty .


MusicosNana Vasconcelos berimbau, percussion, voice, gongs
Egberto Gismonti guitarra
Miembros de la Orchestra  de la radio de Stuttgart
Mladen Gutesha: director
link de descarga :

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Trilok Gurtu - Broken Rhythms (Musica -India Fusión 2004)


En mi experiencia personal  , la primera vez que escuche a este gran percusionista , fue a partir de su  participacion en el trio del Guitarrista   John mclaughlin , sus ejecuciones , no son solo una demostracion de un enorme virtuosismo, sino una profunada exploracion al sonido del instrumento, las texturas los colores y matices , imponen un clima de extasis profundo en cada una de sus ejecuciones.Este  percusionista y compositor de jazz, fusión, música india póne de manifiesto en sus interpretaciones un discurso coherente, solido e imponente ,  por fuera de la  logica  de pensamiento musical  occidental  en muchos momentos  . Ha realizado sus propios trabajos discográficos y ha colaborado con artistas tales como Terje Rypdal, John McLaughlin, Jan Garbarek, Joe Zawinul, Bill Laswell y Robert Miles. Utiliza una batería inusual fusionando la percusion India y la bateria . En 2008 fue galardonado con el Premio Etnosur.


TEMAS
1. Broken Rhythms
2. Kabir

3. Nine Horses

4. Beyond

5. Sohum

6. Vignola


7. Dubash Lane

8. The Way to Banganga
Bajar:
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Mario de Mezapa "Canciones grabadas " (Musica popular Hondureña)



Trajimos a esta seccion un interprete , paradigma del cantar popular de Honduras  , del decir campesino obrero . quien rescata leyendas y tardiciones fuertemente arraigadas a la cotideaneidad de este pueblo , una mirada desde abajo.Mis temas favoritos son "El incachable" y "Todo es de tu patron" entre otros .

Breve Reseña biografica de wikipedia.
Hace 50 y tantos años, en Mezapa, Atlántida, nació Mario Ernesto Castro.

En sus primeros años de escuela se destacó declamando poemas. En quinto grado el profesor le regaló una guitarra y desde entonces comenzó a cantar.
Tuvo apoyo de los grupos campesinos, pues sus primeras producciones estaban relacionadas con la lucha por la Reforma Agraria.
Sus canciones rescatan la mitología hondureña, las leyendas de nuestro pueblo y la relacion explotadora entre el patrono y obrero.
Su primera producción fue de doce canciones grabadas en caset con el título “Retorno al Campo”. Hace unos cinco años grabó su disco compacto “Junto al Pueblo”, y actualmente prepara una nueva producción Junto a Guillermo Anderson.

El presente aporte es una grabación en las cabinas de Radio Progreso, solamente con su voz y su guitarra pero con letras llenas de nuestro folklore.

Canciones grabadas

Maria del Barrizal

Retorno al campo

El incachable

Todo es de tu patrón

Juan el pando

El Cadejo

La sucia

Triste Navidad

Maconi el tonto

Paquito Garrobo

El blanco y el negro

El cantor del pueblo



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Chabuca Granda "Criollisima"Antologia 1963-1980( Peru afroperuana - criolla)


Recomiendo ampliamente este disco de antologia musical de Chabuca Granda , es un albun formidable , recorre una extensisima carrera , en estas grabaciones se percibe a simple vista , un vasto desarrollo musical, en multiples direcciones , lo cual nos posibilita afirmar que en toda su produccion discografica existe  una peremanete  evolucion y quizas alli resida el secreto de su vigencia.
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Danilo Perez "Motherland"  (latin jazz  Panama )


Desde mi humilde punto de vista uno de los mejores discos de Latin Jazz que he escuchado, la combinacion justa de inovacion y tradicion ,El extraordinario pianista y compositor panameño Danilo Perez, se encuentra entre los músicos mas destacados de nuestro tiempo. En un poco mas de una década, su distintiva mezcla de Pan-American jazz (el cual cubre la música de las Americas incluyendo el folklore panameño) le ha meritado un reconocimiento internacional y una audiencia leal en todos los continentes del mundo.


Perez ha dirigido su propio grupo desde 1990 y ha ganado varios premios incluyendo tres nominaciones a los premios Grammy. En el año 2002 recibió una nominación del Jazz Journalist Association por “Mejor Pianista del Año.” Motherland, el quinto disco compacto de Perez fue nominado para dos premios Grammy en las categorias “Best Latin Jazz Album” y fue galardonado “Best Jazz Album” por los Boston Music Awards, además de ser nombrado como una de las mejores grabaciones del año por prestigiosas revistas como el New York Times, Chicago Tribune, San Diego Tribune, Billboard y Jazz Times.
“Los proyectos musicales realizados hasta ahora han pasado por diferentes etapas” dice Danilo, quien fue nombrado Embajador Cultural de Panama en el año 2000. “Mis exploraciones del Pan-American Jazz siguen en proceso de desarrollo y mis investigaciones se profundizan a medida que pasa el tiempo. Los conciertos en vivo nos llevan en diferentes direcciones y estamos muy felices de atraer tanto a las personas que gustan del jazz como otras personas que se interesan en la música tradicional panameña y Americana.”

Nacido en Panama en 1965, Danilo Perez empezó su carrera a la edad de 3 años con su padre que es cantante de música Latina. A la edad de 10 años estudiaba el repertorio clásico Europeo en el Conservatorio Nacional de Panamá. Después de recibirse con un grado en electrónica, se ganó una beca para estudiar en Indiana University de Pennsylvania, Estados Unidos, para después transferirse a la prestigiosa escuela de jazz Berklee College of Music. Entre 1985 y 1988, mientras asistía a esta institución educacional, tocó con destacados músicos incluyendo Jon Hendricks, Terence Blanchard, Claudio Roditi y Paquito D’Rivera. A estas actividades se le sumó la producción del aclamado disco Reunión (con Paquito D’Rivera y Arturo Sandoval) y tocó en el disco (de Arturo Sandoval) ganador de un Grammy, Danzón. Desde los años ochenta ha tocado y grabado con músicos destacados del jazz incluyendo Dizzy Gillespie, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Michael Brecker, Joe Lovano, Tito Puente, Gerardo Nuñez, Wynton Marsalis, John Patitucci, Tom Harrell, Gary Burton, Wayne Shorter, Roy Haynes, Steve Lacy, entre otros.

Danilo Perez atrajo la atención de la audiencia del jazz por primera vez cuando formaba parte de la Orquesta de las Naciones Unidas dirigida por Dizzy Gillespie. Como miembro mas joven de esta agrupación Danilo no solo asimiló los estilos del be-bop y post-bop, pero también paso a ser un miembro fundamental del disco galardonado con un Grammy, Live At The Royal Festival (Enja).
En 1993 Danilo Perez se concentró en trabajar con su propios grupos. Como un líder ingenioso y creativo, se destacó una vez mas entre los músicos de jazz por sus discos Danilo Perez (1993) y The Journey (1994). The Journey estuvo dentro de las listas de los mejores albumes del año. La revista de jazz Downbeat lo nombró dentro de los mejores Cds de la década de los noventa y recibió el premio Jazziz Critics Choice Award. En 1995 Danilo se convirtió en el primer Latino que formó parte del grupo de Wynton Marsalis y el primer músico de jazz que tocó con la Orquesta Sinfónica de Panamá. En 1996 grabó su disco Panamonk (Impulse), que además de ser denominado una “Obra Maestra del Jazz ” por el New York Times, fué escogido como uno de los 50 discos mas importantes del jazz piano por la revista Downbeat. En 1998 su disco Central Avenue (Impulse) ganó su primera nominación al premio Grammy por “Mejor Album de Jazz.” En el 2003 grabó el disco …Till Then (Hasta Entonces…), que incluye composiciones de importantes canta-autores de Brasil, Chile, Cuba, Estados Unidos y Panamá, demostrando su continuo interés por la unificación Americana simbolizada geográficamente por su país natal.

Todas estas grabaciones acumularon numerosos premios y estuvieron dentro de las listas de los mejores Cds del año, estableciendo a Danilo Perez como un líder de su generación dentro de la comunidad artística internacional.Adicionalmente, Danilo Perez se ha destacado en el ámbito composicional incluyendo comisiones para los Juegos Olímpicos de 1996 (Atlanta); el Concorzo Internazionale en Bologna en 1997 (Italy); Chicago Jazz Festival en el 1999; Jazz At the Lincoln Center en el 2000 y el 2002, entre otros.
Danilo también es parte del nuevo quarteto de Wayne Shorter el cual fue elegido “Mejor Grupo del Año” por la Asociación de Periodistas de Jazz en el 2002 y el 2004, entre otros numerosos premios. Perez grabó con Shorter en los discos Alegría y Footprints Live!. Este quarteto ha sido comparado con el quinteto de Miles Davis de los años sesenta debido a su notable libertad de expressión musical.
En este momento Danilo Perez es Embajador de Buena Voluntad del UNICEF, Presidente y Fundador del Panama Jazz Festival, y Director Artístico de la serie Mellon Jazz Up Close Series en el Kimmel Center de Philadelphia. El también ejerce como professor de música en el New England Conservatory y Berklee College of Music en Boston, Massachusetts, y continúa sus giras con su trio que incluye el bajista Ben Street y el baterista Adam Cruz.
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 "HOY" PANCHITO CAO Y LOS MUCHACHOS DE ANTES(Argentina-Tango, otros ritmos, Trios, Clarinete 1959)

Esta agrupacion comandada por el clarinetista Panchito Cao es realmente exelente , realmente , (salvando las distancias ) El Benny Goodman del tango   , acompañadao Horacio Malvicino en Guitarra Acustica y "Nene" Nicolini: Bajo . El trio tenia como objetivo recrear las interpretaciones de grupos similares de principios del siglo XX de Buenos Aires, Argentina. Este grupo se formo aproximadamente en los años 1958 o 1959 años entre los cuales dejaron varias grabaciones . Un disco para bailar hasta desfallecer tango , mis temas favoritos son , Union civica y palomita blanca , entre otros .

Panchito Cao: Clarinetista. Nacio el 3 de Diciembre de 1920 y fallecio el 14 de setiembre de 1979
descraga:  
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Opa y Totem(Uruguay rock fusion)
Dos  discos de dos bandas fundantes del rock Uruguayo
Si  presentamos una escena   , en la decada del 60 en el Uruguay ,desde el punto de vista musical , el rock muestra que ha llegado para quedarse , pensando en grupos como por ejemplo  Los Shakers  que representaban el espiritu vivo de Los Beatles,  o Los Mockers, uruguayos  que estaban ligados a Los Rolling Stones, en la decada del "70" el rock Uruguayo se encuentra un panorama de influencia mucho mas amplio , que da lugar al surgimiento de bandas , como "Kinto" (Formada a fnes de los "60") , o "Psiglo"  Grupo de rock progresivo ,  en esta ocacion dejamos dos discos  de dos grupos claves sobre todo con posteriridad a su grabacion en la consolidacion  ya nos solo dfel rock , en particular sino en la musica popular de Uruguay en general , undisco de el grupo Tótem y otro del grupo Opa .

Durante los últimos meses de 1970, los templos subterráneos del Hot Club de Guayabo y Jackson fueron testigos de los ensayos de una banda en formación. Con excepción de Daniel “Lobito” Lagarde (un joven de dieciocho años, hermano menor de Antonio “Lobo” Lagarde), los involucrados son músicos con una vasta experiencia y trayectoria en nuestro medio. El simple listado de sus nombres hace imposible no ceder a la tentación de decir que se está en presencia de un “supergrupo”. Ruben Rada, Chichito Cabral (ambos ex integrantes de El Kinto), Eduardo Useta, Roberto Galletti, Enrique Rey y Daniel Lagarde seguramente no imaginan la trascendencia que tendrá para la música popular uruguaya el proyecto que tienen entre manos. En los intervalos de los ensayos, suben al bar a comer algo, “manguear” cigarrillos y hablar de música.

"Tótem" (1971)  (Rock Uruguayo)




1- Dedos

2- Chévere

3- De este cielo santo

4- Días de esos

5- Todos

6- Biafra

7- El tábano

8- Mañana

9- No me molestes

10- La lluvia cae para todos igual

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Opa"Goldenwings" (1976) Rock  progresivo uruguayo






Hugo y Osvaldo Fattoruso eran integrantes de Los Shakers, al separarse esta banda, Ringo Thielmann (integrante de una banda anterior) los llama desde Estados Unidos para formar una nueva agrupacion. Tocan durante tres años en el formato de trío y contactan con Airto Moreira, con quien realizan una gira y graban en 1973 en disco "Fingers". Se supone que el nombre se vio inspirado por el tema "Dedos" de Tótem. Posteriormente esta banda se separa, volviendo a actuar el trío original de Opa.


En el año 1974 grabaron sus primeras canciones de estudio en Nueva York (que verían la luz en el año 2001).

En 1975, el trío graba una demo que se edita con el nombre de "Back Home", en el cual son acompañados por Pappo Atiles en la conga y la percusión.

En 1976 producen "Goldenwings", su primer disco, gracias a una oferta para grabar en Estados Unidos. Participaron: David Amaro en guitarra, Hermeto Pascoal en flauta y percusión. Musicalmente, la banda muestra cambios rítmicos y gran intensidad, fusionando ritmos latinos, jazz y rock.

En 1977 graban el disco "Magic Time". Rubén Rada se incorpora como miembro estable en voz y percusión. Así como Airto que regresa en percusión y se suma el guitarrista Barry Finnerty.

Posteriormente la banda se separa, y tras 20 años sin tocar juntos, vuelven a reunirse en un concierto en el Teatro de Verano de Montevideo, el 17 de octubre de 1987. Este evento fue grabado y editado posteriormente en la cassette "Opa en vivo". Años más tarde dicha obra sería reeditada en el disco "En vivo 87' & Rarities" en el cual, además de los temas de Opa en vivo se añaden 3 temas que el trío original grabó en estudios de Nueva York en el año 1974.

Aunque Ringo actuó como invitado con el Trío Fattoruso en el teatro El Galpón en algunos temas (año 2000), la última actuación oficial registrada de Opa recién ocurriría en marzo de 2005 en el Teatro Solís de Montevideo, lo que fue registrada en video para medios locales de TV.


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   Bibliografia
                 "Rock en el rio de la plata " 1987
                  Taringa :www.taringa.net/posts/musica/5040337/M%C3%BAsica-uruguaya-etc.html


Maria Joao Mario Laginha (Baladas -Electronico - jazz 2005)


Maria João nació en Lisboa el 27 de Julio de 1956. Es una de las cantantes de jazz más geniales de Portugal y del mundo. Su música incorpora una mezcla electronica con varios ritmos étnicos, jazz moderno, y avant-garde. Y además es notable la plasticidad vocal que la caracteriza.
Empezó su carrera musical en 1982, en la Escuela de Jazz del Hot Club, y se unió a la Big Band de la escuela en abril.
En el verano del mismo año empezó a cantar con su propia banda. Durante 1983 trabajó en Portugal con el Quinteto Maria João, y en la TV portuguesa.
El salto en la escena musical lo dió en el International Jazz Festival of Cascais en 1984, en donde tanto la audiencia como la critica resaltaron su genial actuación. Esto la llevó a un tour de promoción a través de Alemania del oeste de abril a mayo de 1985, incluido un concierto en radio y en TV producido con German TV - ZDF. En julio ganó el primer premio al mejor grupo en la competencia del International Jazz Festival of San Sebastian. Conciertos en España, Portugal, Dinamarca, Holanda, Australia, Alemania y Suiza le siguieron.
En 1987 Maria João empezó a trabajar con el saxofonista aleman Christof Lauer; en abril empezó a cantar con el pianista japones Aki Takase. En 1989 el dúo se desempeñó en varios festivales con Örsted Nils-Henning Pedersen y Miroslav Vitous, también comenzó su colaboración con David Friedman y Charlie Mariano.
Con "Cal Viva" Maria João, presentó una banda completamente conformada por portugueses en su tour de noviembre de 1991, que se basaba más que sus otros proyectos en la música tradicional de Portugal. Con esta banda editó un nuevo CD en Enja Records durante el otoño de ese mismo año.
Desde 1992, Maria João también trabajó con Lauren Newton (Tage neuer Musik Essen 1991 / Big Band Meeting München 1992) y en un trio con Christof Lauer y el pianista Bobo Stenson y Mario Laginha (Jazzfestivals Madrid, Ansbach, Delmenhorst, Vocaltage Graz all 1992). Fue artista invitada durante los Juegos Olímpicos de Barcelona en agosto de 1992.

En abril de 1994, dio un comnciero importante durante el Festival de Lisboa con Trilok Gurtu, Christof Lauer y Mario Laginha, que fue grabado por la TV portuguesa. En el otoño del mismo año firmo un contrato de cinco años con Label Verve.

Su Duo grabó con Mario Laginha, para ese sello, el disco titulado Danças que salio al mundo en abril de 1995. Su segundo album fue garbado durante el otoño del mismo año con Dino Saluzzi, Manu Katché, Ralph Towner and her steady partner Mario Laginha (salió en la primavera de 1996).

Como resultado de todo esto, Maria João y Mario Laginha tocaron en el International Festivals of Montreux, Den Hague, Malaga and Leipzig in 1995.

Un nuevo album llamado Fabula, salió en el verano de 1996 con Dino Saluzzi, Ralph Towner, Manu Katché, Kai Eckhardt, Mario Laginha a.o, que fue presentado durante los Festivales de Berlin, Roma, Leverkusen, Lisboa, Strasbourg en noviembre de 1996.

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En 1998 editó Cor; Lobos, Raposas e Coiotes en 1999; Chorinho Feliz en 2000;

GUEM "Et Zaka" (musica africana tradicional , folclore , Nigeria 1997)







El notable percusionista  Guem , se posiciona entre la melodía y la técnica para los que quieran descubrir el arte de la percusión , el maestro nos ubica como oyentes , en un espacio participativo exacto , ejecutando instrumentos como  djembes, darboukas, congas, bongos, grosse caises , personalmente recomiendo energicamente este disco , a todos aquellos que tienen interes en tocar algun instrumento de percusion , este artista pone de manifiesto en cada obra la libertad en su maxima expresion

Reseña biografica
 Guem, de origen nigeriano, nació en Argelia, pais en el que se inició en la danza oriental y del Africa negra. En los años 70 fue a vivir a Paris, donde comenzó a tocar y enseñar en grupos de jazz, bossa nova,… acabando finalmente, creando su propia música y revolucionando el arte de la percusión, saliéndose de las rítmicas habituales.


Es la suya una percusión universal, que mezcla ritmos e instrumentos orientales, africanos, cubanos y brasileños. Su trabajo autodidacta le lleva a desarrollar un método de percusión global. Su arte es una cosa tan «salvaje» como la percusión y la danza africana, de una forma al alcance de todo el mundo.

Con más de veinte trabajos discográficos, incontables conciertos por todo el planeta, participación en los principales festivales de músicas del mundo (world music), Guem es actualmente una referencia para todo buen amante de la percusión, especialmente la africana.»

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Dinner in Caracas " Adelmaro Romero " 1995 Clasicos de Venezuela "


Aldemaro Romero fue el músico más completo, más polifacético, más innovador y de mayor talento que ha tenido Venezuela.
Creador de una sonoridad única, con un estilo personalísimo e intransferible, Aldemaro Romero permanece hoy en la historia de la música universal como uno de los  más prolíficos  y distinguidos exponentes de una música de la que, él mismo, es responsable en un alto porcentaje de ideas. A lo largo de siete décadas distintas de ininterrumpida carrera y entreverando varios recursos musicales en las diversas facetas de la música venezolana, a través del filtro de la suya propia, siempre dominante, consiguió producir una música que lleva el sello de la más indiscutible originalidad" (Alberto Naranjo, músico venezolano, fundador de El Trabuco Venezolano).

"Estoy satisfecho con los dos dones que Dios me deparó para que viviera con éxito en esta vida: el oído musical y la memoria. Con esas armas he vivido felizmente durante años", dijo una vez el gran maestro Aldemaro Romero (Valencia, estado Carabobo, Venezuela, 12/03/1928 - Caracas, Venezuela, 15/09/2007), satisfecho de su obra.

Con "Dinner in Caracas", LP lanzado al mercado en el año 1955 bajo contrato con la disquera transnacional RCA Victor, el maestro Aldemaro Romero buscó modernizar la música popular venezolana, convirtiendo canciones folclóricas a versiones orquestrales modernas. Su selección incluyó algunos de los temas más conocidos del cancionero popular venezolano y fue el éxito comercial y crítico que le convirtió en uno de los arreglistas y conductores de orquestas más populares de América. El título de la edición editada en Venezuela es "Cena en Caracas". Este fue el primero de una exitosa e influyente serie de discos, cuyos nombres empezaban con "Dinner in ..." (otros fueron Dinner in Habana, de René Tousset y Dinner in Rio, de Fafá Legus. El maestro Aldemaro Romero haría Dinner in Colombia y Dinner in Caracas II), que incluían canciones populares latinoamericanas. El exitoso álbum "Dinner in Caracas" rompió todos los records de ventas hasta entonces en el mercado discográfico de América del Sur.

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"Feels So Good"  Chuck Mangione (Smooth Jazz; 1977 EEUU)



 Que buen disco , es excelente  muy buenos temas para escuchar en un dia especial , y levantar el animo , "Feels so Good"  o "Theme from side strett" ,  o "last dance" para ponernos cariñosos son algunos de mis temas favoritos.
 Te dejó tu novia? Te rajaron del laburo? Salió mal la rinoplastia? No importa, dale un rato a Feels So Good y no pasa naranja. Chuck Mangione, smooth jazz de por medio, te da esa palmada metafórica en la espalda que tanto necesitabas.
Feels So Good fue la placa que logró hacer a Mangione más conocido internacionalmente, a pesar de que había tocado con gigantes como Art Blakey antes. En realidad, mucha de su fama se debe al tema que titula al disco, que fue nombrado como la canción más fácilmente reconocida desde Michelle de The Beatles por la revista norteamericana Current Biography y suena en cuanta radio de smooth jazz hay.


Integrantes:

Chuck Mangione - flugelhorn, electric piano

 Chris Vadala - soprano, alto, and baritone saxes; piccolo, flute, and alto flute

 Grant Geissman - electric, acoustic, 12-string, and classical guitars

 Charles Meeks - bass

 James Bradley, Jr. - drums, congas, timbales


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Allmusic

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" Amen" Salif Keita( Afrobeat musica de Mali) 1991





En mi caso cuando escuche este disco , el mismo , me ayudo a  redescubrir las potencialidades del canto , como herramienta de expresividad musical , es un disco encantador , cargado de una emotividad sublime  , a este gran cantante ,muchos oyentes  en nuestras latitudes  quizas lo conoscan por su participación en el  grupo comandado por Josef Zawinul  "Zawinul Sindicate", (Amen) es el tercer álbum de estudio de Maliano artista Salif Keita. Fue lanzado en 1991  y producido por Joe Zawinul quien grabo teclados inolvidables en el disco , tambien tuvo una participacion del saxofonista  Wayne Shorter . Mis  tres temas predilectos son Kuma , karifa, Waraya entre otros
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Ella Fitzgerald; Nelson Riddle & His Orchestra - Sings the George and Ira Gershwin Song Book [4 CDs]  (Jazz- swing- EEUU)


Un excelente disco , que recorre la mayor parte de las composiciones de esta gran dupla ,George y Ira Gershwin , quizas la dupla compositiva mas trascendente de la musica estadounidense , del siglo pasado , sus canciones se han transformado en una especie de banda sonora de la cotideaneidad Americana(de los EEUU) ,  en este caso encontramos la notable orqueta de Nelson Riddle   y la interpretacion de  la magica voz de Ella Fitzgerald  , mis temas favoritos  son entre tantos :A Foggy Day ,Embraceable You , Fascinating Rhythm ,Oh, Lady Be Good




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Ale Kuma "Cantaoras (musica folclorica - afrocolombiana del litoral- 2001)

La musica popular , folclorica en Latinoamerica particularmente ,  es un a muestra cabal  del valor de la oralidad a la hora de la construccion de un relato historico -sonoro  de dichas comunidades ,  y  esta produccion es muestra de esto .
Este es un gran disco que deriva  de un proyecto musical iniciado hace ya varios años en el que se buscaba recuperar algunos ejemplos de la música negra colombiana transmitida oralmente teniendo como resultado el álbum "Cantaoras" de la agrupación Alé Kumá , un grupo que reune cuatro de las mejores voces femeninas de las dos zonas litorales de Colombia.

Un disco que es justo para coleccionistas e investigadores musicales pues reune dos elementos interesantes: la música popular de tradición oral y el jazz.

Recomiendo personalmente : "Una Canción En El Magdalena", "Ronca Canalete" y "Se Quema El Monte"

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Hadouk Trio "Air" (2010 algo asi como world music)

Por lo general la idea de esta seccion , no es presentar discos nuevos sino clasicos  , o discos  que a nuestra consideracion  , con el tiempo se impodran como referentes estilisticos , elegimos este disco editado en el 2010 , dado que el mismo plazmo una importante evolucion en el  sonido de esta agrupacion con respecto a los anteriores ( desde nuestro humilde punto de vista ),Hadouk Trío ha editado los discos Shamanimal (1999), Now (2002), Live àt FIP (2004) y Utopies (2006), Baldamore (2007) , este es hermoso y distinto desde nuestro punto de vista tiene elementos en comun con los otros . Didier Malherbe (s, f, cl alto, doodook, pékoo, ocarina), Loy Ehrlich (tec, kora, hajouj, awicha), Steve Shehan (congas, djembé, derbouka, hadgini, sanza). Tres experimentados músicos franceses que combinan instrumentos electrónicos con instrumentos acústicos de los más diversos orígenes, incorporando a su particular forma de entender el jazz la fuerza de las melodías primitivas. Hadouk Trío, con su amplitud de miras artísticas, eleva a su máxima expresión el concepto de “música mundial”, del que ha sido pionero, y se siente verdaderamente cómodo en el eclecticismo y la polivalencia, en un terreno impreciso entre Europa, África y Oriente.
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Ranferí Aguilar El ahcedor de la lluvia ( Guatemala , rock , etnica)

 Este es un trabajo discografico  , Ranferí Aguilar, nacido en Guatemala en 1960, estudió guitarra clásica desde los 11 años en Bolivia con el instructor brasileño Mario Rodríguez Serrano, el español Pedro García Rippol, y en Ecuador con el maestro Emilio Lara. A su regreso a Guatemala, fundó Alux Nahual junto a sus primos Álvaro y Plubio Aguilar en 1979. La banda, que se convirtió en la más importante del rock centroamericano, se separó en 1999. Desde temprana edad Ranferí mostró un gran interés por el arte con contenido étnico y social, tanto en Bolivia como en Ecuador. En Alux Nahual, ya en tierras mesoamericanas, inició su búsqueda de raíces mayas. Al dejar el grupo, Aguilar pudo seguir experimentando con la etnofusión y el uso instrumentos y artefactos autóctonos. Dicha investigación, que está apoyada en importantes antropólogos y etnomusicólogos del país, es un punto de partida para un proceso creativo y no puede ser clasificada como música maya tradicional. Su propuesta es mas bien una fusión de instrumentos antiguos con melodías contemporáneas, es su propia interpretación de lo que sus descubrimientos le han aportado.

Músicos:


Ranferí Aguilar: voces, percusiones corporales, guitarra acústica, silbatos de barro, bajo y percusiones

Carlos Chaclán: silbatos de barro, voces

Beatriz Pinto: voz y tamborón (en Kaja paluna)

Lenín Fernández: tonajas y voces

Ennio Ramazzini: tambores (en Llanto sobre la ciudad enterrada y Kaja paluna)
 
El hacedor de lluvia:

Disco que provocó que muchos le identificaran con ese nombre. Está basado en una bella leyenda tzutujil (grupo maya guatemalteco), que se contaba entre las comunidades que habitan alrededor del lago de Atitlán (Guatemala). Aguilar quedó impresionado de las investigaciones de Michael Richards, quien publicó un libro acerca de este relato. Nació así una creación musical que cuenta, sin palabras, de las actividades de los hacedores de lluvia.

 
Premiata Forneria Marconi  "L’isola di niente " (Rock Progresivo -Italia -1974)
La historia de Premiata Forneria Marconi comienza durante la década del \'60 con la formación del grupo I Quelli, integrado por Teo Teocoli, Franz Di Cioccio en la batería, Flavio Premoli en los teclados, Franco Mussida en la guitarra y Giorgio Piazza en el bajo.





01 The mountain (L\'isola di niente)

02 Just look away (Dolcissima Maria)

03 The world became the world (Impressioni di Settembre)

04 Four holes in the ground (La Luna Nuova)

05 Is my face on straight

06 Have your cake and beat it (Via Lumiere)
 
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Dedicatoria" Dino Saluzzi (Proyeccion folclorica Argentina -1975)


Quizas sea una de los musicos Argentinos  mas inovadores  de los ultimos 50 años , su musica ha estado signada por la mutacion continua , la unica regularidad que existe en su concepcion musical ,  es el cambio permante . Elijo este disco entre tantas excelentes grabaciones  de este eximio bandoneonista de Salta (provincia argentina del Noroeste )  simplemente por que fue el primero que escuche de este artista ,  una cuestion emotiva ) , el mismo  cuenta con la producción de Litto Nebbia y Rodolfo Alchourrón. en el participan , los siguientes músicos: Dino Saluzzi (bandoneon, voces, percusion, sintetizadores), Rodolfo Alchourrón (guitarra, percusión), Néstor Astarita (batería, percusión), Ricardo Domínquez (guitarra electrica, guitarra), "Chachi" Ferreyra (flauta), Santiago Giacobbe (piano electrico), "Nene" Giménez (percusión), Jorge "Negro" González (contrabajo electrico), José María Llorente (percusión), Litto Nebbia (sintetizadores, teclados, voces, percusción), Mariano Tito (bajo electrico) y un tal Manolo Juárez que también tocaría percusión en el disco .Originariamente editado por el sello Trova, lo reeditó Diorama, un desprendimiento de este. Tal vez lo mejor: la versión de "Juan Panadero" cantada por Saluzzi. Mis temas preferidos Zamba de Juan panadero de (Gustavo Leguizamon y Castilla ) ,  dos loritos y siempre una cancion .

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The Quintet - Jazz At Massey Hall (EEUU jazz- bop 1953 C. Parker - D. Gillespie - B. Powell -Charles Mingus y Max Roach)


 Uno de mis discos de jazz favoritos .En 1953 en Toronto, Canadá, una asociación de aficionados al jazz, la "New Jazz Society", eligió a los mejores músicos del jazz del momento y decidió contratarlos para celebrar un concierto con esa particular formacion. Los músicos que eligieron son sin duda algunos de los más importantes de la historia del jazz: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus y Max Roach. Charlie Parker llegó a Toronto sin saxo, debido seguramente a que estaba empeñado en alguna tienda de Nueva York a cambio de dinero para una dosis de heroína. Por este motivo tocó con un saxofón de plástico que le prestaron en una tienda del propio Toronto. Todos los solos son espléndidos. Charlie Parker transforma su saxofón de plástico en un instrumento del metal más noble. Bud Powell parece que tocase con la mayor de las concentraciones. Dizzy Gillespie está inmenso y qué decir de Max Roach y Charles Mingus. En cuanto al desarrollo del concierto, se inición con el impresionante trío de Powell, Mingus y Roach. A continuación entra el quinteto y es cuando todo se desata: swing a raudales, bop de primera categoría y una música de primera categoría. Uno de esos conciertos históricos en el jazz.

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Simon Diaz "Grandes Exitos" (musica folclorica de Venezuela )
Simón Díaz Márquez, (Barbacoas Venezuela, 8 de agosto de 1928) es un músico, intérprete y compositor, venezolano reconocido nacional e internacionalmente por su interpretación de música folclórica y por algunas de sus canciones, como Caballo viejo.
Díaz se ha especializado en el estudio, composición y divulgación de la tonada llanera. En este mismo sentido, ha producido y conducido varios programas de televisión, orientados a promover ese estilo y otros estilos musicales venezolanos. Entre los programas más famosos de Díaz, se encuentra Tío Simón que se transmitió al menos siete años; en dicho programa destacaron figuras infantiles como Chusmita y ZURIMA.

Entre otros, ha compartido escenario con artistas como Mario Moreno Cantinflas, Plácido Domingo, Lucho Gatica, Marco Antonio Muñíz, Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui y se ha presentado en diversos países de Europa, Asia y América.

Para celebrar sus cincuenta años de vida artística, el gobierno de Venezuela le otorgó el 17 de julio de 1998 la condecoración "Orden del Libertador en su Orden de Gran Cordón".

Actualmente se encuentra haciendo giras dando gala a su reperterio musical, demostrando su talento como interprete de la musica Venezolana.

http://rapidshare.com/files/33612043/SIMON_DIAZ._GRANDES_EXITOS.rar zolana a sus 80 de edad

Native Dancer , Wayne ShorterFeaturing :Milton Nascimento(jazz, musica del noroestede Brasil-1974)

  
El trabajo como solista de Shorter durante esta etapa estuvo muy limitado en cantidad , produciendo un único disco, Native Dancer, una interesante aproximación a la fusión con ritmos brasileños en colaboración con Milton Nascimento. Este es un gran disco con una perspectiva alejada de los estereotipos propios de ciertas aproximaciones Estadounidenses a la musica popular de los paises perisfericos , particularmente latinoamericanos.


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 Joni mitchel "Hejira"( Cancion , jazz, folk-1976)

Joni Mitchell - Hejira


Estoy viajando en algún vehículo

Estoy sentado en algún café

Un desertor de las guerras mezquinas

Esa neurosis de amor lejos

No hay consuelo en la melancolía

Cuando no hay necesidad de explicar

Es tan natural como el tiempo

En este cielo cambiante de hoy

En nuestro acoplamiento posesivos

Tanto no se podría expresar

Así que ahora estoy volviendo a mi mismo

Estas cosas que tú y yo suprimido

Veo algo de mí mismo en todo el mundo

Justo en este momento del mundo

Como recoge la nieve como los pernos de encaje

A una niña que baila el vals de salón



Tú lo sabes nunca ha sido fácil

Ya sea que usted hace o que si no renuncian

Ya sea que viaje la amplitud de las extremidades

¿O se adhieren a la línea más recta algunas

Ahora aquí está un hombre y una mujer sentada sobre una roca

Están bien va a descongelar o congelar

Escuchar ...

Las cepas de Benny Goodman

Viniendo a través de "la nieve y los árboles del pinar

Estoy porosa con fiebre de viajes

Pero usted sabe que estoy muy feliz de estar en mi propia

Sin embargo de alguna manera el más ligero roce de un extraño

Se puede configurar el temblor en mis huesos

Sé que - nadie me va a mostrar todo

Todos vienen y van desconocidos

Cada tan profundo y superficial

Entre las pinzas y la piedra



Bueno, yo miraba los marcadores del granito

Los homenaje a la firmeza - a la eternidad

Y luego me miró a mí aquí

Pollo rascarse para mi inmortalidad

En la iglesia se encienden las velas

Y la cera ruede como el llanto

Ahí está la esperanza y la desesperanza

He sido testigo de treinta años

Estamos a sólo partículas de cambio que sé, lo sé

Orbitando alrededor del sol

Pero, ¿cómo puedo tener ese punto de vista

Cuando yo siempre estoy obligado y atado a una persona

Blanco banderas de las chimeneas de invierno

Agitando tregua contra la luna

En los espejos de un banco moderno

 Desde la ventana de una habitación de hotel



Estoy viajando en algún vehículo

Estoy sentado en algún café

Un desertor de las guerras mezquinas

Hasta que el amor me chupa de nuevo de esa manera

Despues de esta  poesia , no caben demasidas palabras , Joni Mitchel , la brillante cantautora  Canadiense , que  desbarata con una depiadada facilidad , las tramas de barreras existentes entre el folk, el rock y el mundo del jazz , su descomunal versatilidad (cararcteristica muy poco habitual en los tiempos que corren , particularmente en el caso de los cantantes) la convierten en una referente singular , a la hora de repensar el escenario de la cancion en los ultimos 40 años.
Elegimos este albun , dado que a nuestro modesto ententender , el mismo habla de un punto exacto de maduracion de , ese estado de convulsión interna  necesaria en toda manifestacion estetica ,  acompañada en este Albun por exlentes musicos que tambien se encontraban en ese proceso de busqueda artistica , Hejira continuó la tendencia de Mitchell  hacia un acercamiento al jazz, con varias canciones lideradas por el Bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius , Larry Carlton   incorporando tambien luego  en su proximo disco a a Pat Metheny ,  y a el percusionista Don alias . Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación "abierta" de la guitarra de Mitchell , mis temas favoritos son , Son for Sharon , Coyote y Hejira entre otros.
P.D: RECOMIENDO EL DOCUMENTAL SOBRE SU BIOGRAFIA , NO LO HE ENCONTRADO EN INTERNET PERO EN ALGUN DVD CLUB SE ENCUENTRA.  SI ALGUNO LO ENCUENTRA EN INTERNET SUBTITULADO PASE LA DATA.

Reseña biografiaca (RECOMENDAMOS LEERLA )

 Joni Mitchell (nacida como Roberta Joan Anderson el 7 de noviembre de 1943, en Alberta) es una cantante y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste de Canadá, relacionándose posteriormente con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo en especial su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Mitchell es también una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, autodescribiéndose como una "pintora descarrilada por las circunstancias".
Inicios

Desde muy joven se interesó tanto por la pintura como por instrumentos musicales como el piano, la guitarra y el ukelele. El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965. Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra. Personales y a veces conscientemente poéticas, sus canciones se vieron reforzadas por la calidad de su voz, extraordinariamente amplia en registros (con una amplitud de tono que cubre al mismo tiempo más de cuatro octavas), y por su estilo único de guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas. Ha sido fumadora desde los 9 años, lo que puede explicar por qué su voz es tan singular. Esto se ha hecho especialmente evidente en sus álbumes posteriores. Ella misma dice que ha sido adicta al cigarrillo desde que tomó su primera bocanada.


En la época en que abandonó su hogar en Saskatoon, Saskatchewan, perdió la virginidad y quedó embarazada. Al no ver otra alternativa, dio a su hija en adopción. Mitchell mantuvo esto en secreto durante la mayor parte de su exitosa carrera musical. Una noche, tocando en un club de Nueva York, un joven David Crosby presenció su actuación y quedó impresionado por su habilidad y sus dotes como artista, y decidió tomarla bajo su protección.


Los comienzos de su éxito se debieron en gran medida al hecho de que otros intérpretes versionaran sus temas: su canción "Urge for Going" fue un éxito en las interpretaciones del cantante country George Hamilton IV, del intérprete folk Tom Rush y, muchos años después, de la banda escocesa Travis. También la irlandesa Luka Bloom grabó la canción. La versión original de este tema, grabada por Joni Mitchell en 1967, no vio la luz hasta 1972, como cara B del single de 1972 "You Turn Me On I'm A Radio", y no fue editada en álbum hasta el recopilatorio "Hits", en 1996.


Otros intérpretes lograron éxitos con canciones de Joni Mitchell: Judy Collins, a principios de 1968, grabó "Both Sides Now" y el grupo de folk rock británico Fairport Convention incluyó "Chelsea Morning" y "I Don't Know Where I Stand" en su álbum de debut, grabado a finales de 1967, y "Eastern Rain" en su segundo álbum al años siguiente.
Las canciones de los primeros dos álbumes de Joni Michell, "Song To A Seagull" (de 1968, también conocido como "Joni Mitchell"), y "Clouds" (de 1969) eran arquetipos del movimiento de cantautores emergente en ese momento.


El tercer disco significó la madurez: "Ladies of the Canyon" (1970) es un disco imbuido del espíritu de la vida en California (el "cañón" del título del álbum hace referencia tal vez tanto a Topanga Canyon como a Laurel Canyon, en Los Ángeles), que contenía su primer gran éxito, "Big Yellow Taxi" y su recordada canción "Woodstock", acerca del festival (que luego sería un éxito en las voces de Crosby, Stills, Nash and Young). Mitchell escribió la canción luego de habérselo perdido y escuchar diversas historias glorificantes sobre éste. Ella había cancelado su aparición en el festival por consejo de su manager por miedo a perder una aparición en "The Dick Cavett Show". Desde entonces ha dicho que la decisión de cancelar el concierto ha sido uno de sus más grandes arrepentimientos. "For Free" es la primera de muchas de sus canciones que hablan sobre la dicotomía entre los beneficios de su estrellato y sus costos, tanto su presión como la pérdida de libertad y privacidad que representa.Éxito en los años 1970
El enfoque confesional de Mitchell se notó más en álbum Blue (1971), ampliamente considerado el mejor de este período. Explorando las múltiples facetas de las relaciones, desde el encaprichamiento (en "A Case of You") hasta la inseguridad (en "This Flight Tonight"), las canciones se caracterizaron por un uso creciente de piano y dulcimer apalache en "Carey", "California" y "All I Want". Otras canciones se basaban en el piano, y algunas exhibían ritmos asociados con el Rock and roll.

Su influencia más directa con el rock fue bastante fuerte en sus siguientes dos álbumes, grabados para su nueva discográfica Asylum. "For The Roses" (1972), cuya canción titular continuó con su exploración de la temática de "For Free", se vendió bien, gracias en parte al exitoso single "You Turn Me On, I'm A Radio", influenciado por la música country. Pero fue "Court And Spark" (de 1974), un híbrido de pop, rock y folk con toques de jazz, el que tuvo un mayor éxito, produciendo clásicos como "Free Man In Paris" (inspirada por las historias contadas por su productor y amigo David Geffen), "Car On A Hill", y en especial "Help Me", que sigue siendo su single más vendido (y que llegó a los primeros 10 puestos).

Court and Spark también fue notable por los primeros ecos de la influencia de jazz en la obra de Mitchell, y quizás por el éxito comercial de ese álbum, y del siguiente álbum en vivo "Miles of Aisles", (en el que fue acompañada por el conjunto de pop-jazz de los 70s LA Express), ella pasaría el resto de la década creando música con elementos de jazz.

El período de Jazz
El primero de esos álbumes, The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos ("Edith and the Kingpin") a las mujeres con maridos ricos aburridas ("The Hissing of Summer Lawns" y "Harry's House/Centerpiece"). El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas armonías vocales acompañadas de percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación "The Jungle Line"). Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing... como su obra favorita de Mitchell, el álbum no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró "The Worst Album of The Year" (el "Peor Álbum del Año"); pero en realidad sólo fue denominado "el peor título" para un álbum [1]. Mitchell y Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un "árbol" que ilustraba todos los supuestos amantes de la artista, principalmente compuesto por otros músicos.

Durante el año 1975, Mitchell también participó en muchos conciertos en las giras Rolling Thunder Revue, y en 1976, actuó para "The Last Waltz" de The Band.


Hejira (1976) continuó la tendencia de Mitchell con el jazz, con varias canciones lideradas por el Bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius (músico de jazz). Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación "abierta" de la guitarra de Mitchell.
La era Geffen.
Los años 1980 tuvieron la menor cantidad de álbumes editados por Mitchell desde los inicios de su carrera: sólo aparecieron tres álbumes con material nuevo, y ninguno causó una gran impresión. Wild Things Run Fast (de 1982) fue un intento de volver a escribir canciones pop, e incluía la canción "Chinese Cafe/Unchained Melody" que incorporó el estribillo y partes de la melodía del éxito de los Righteous Brothers, y "(You're So Square) Baby I Don't Care". Fue claramente influenciado por el matrimonio de Mitchell con el productor Larry Klein - Mitchell se refirió en muchas entrevistas a estas canciones como canciones "amo a Larry". Aunque sólido compositivamente, fue lanzado en una época en que estaba de moda la música más oscura y con múltiples capas de los movimientos New Wave y New Romantic.
El productor e intérprete británico de synth pop Thomas Dolby, trabajó con ella en Dog Eat Dog (1985), pero los arreglos de sintetizador y de caja de ritmos, junto a las letras más estridentes y enojadas de Mitchell, pasaron de moda más rápidamente que sus primeras obras.
En Chalk Mark in a Rainstorm (1988) Mitchell colaboró con talentos que incluían a Willie Nelson, Billy Idol, Wendy and Lisa, Tom Petty y Don Henley. Las canciones abarcaban diversos géneros, incluyendo un dueto con Peter Gabriel en "My Secret Place" que recordaban el material "clásico" de Mitchell. Aunque había algunas transiciones discordantes de géneros ("Dancing Clown" y "Cool Water"), los sonidos sintetizados de varias capas de "My Secret Place", "Beat of Black Wings" y "Tea Leaf Prophecy" fueron una mejor unión de la voz de Mitchell con la electrónica.

Tras el lanzamiento de Chalk Mark in a Rainstorm, Mitchell participó en The Wall Live in Berlin, el show de Roger Waters' de The Wall en Berlín.

 Los turbulentos años 1990

Night Ride Home, álbum de 1991 que Mitchell describió como "middle-aged love songs" ("canciones de amor de mediana edad"), tuvo una mejor recepción y marcó un acercamiento a sus raíces acústicas. Pero para muchos, el regreso a la forma llegó con el álbum ganador del Grammy Turbulent Indigo (1994). Para estos, "Indigo" fue el conjunto de canciones más sólido de Mitchell en años. Mitchell lanzó su último grupo de nuevas canciones 'originales' en Taming The Tiger (1998).


 "Odio la música": 2000-2006

Both Sides Now (2000) fue un álbum conformado en su mayor parte por versiones de canciones clásicas, ejecutadas con una orquesta. El mismo recibió críticas muy favorables y vendió una cantidad importante de copias. El álbum contenía nuevas versiones de "A Case Of You" y la pista titular "Both Sides Now," dos éxitos tempranos ejecutados con su actual y conmovedor registro contralto. Su éxito la llevó a crear Travelogue, una colección de nuevas versiones de sus viejas canciones, acompañadas por arreglos de orquesta. Mitchell afirmó que éste sería su último álbum.

Recientemente, Joni Mitchell mencionó su descontento con el estado actual de la industria, diciendo que había caído en un gran "pozo negro", y afirmando que "odia la música" y que quisiera recordar lo que alguna vez le gustó de ella. Expresó su aversión hacia el dominio de la industria discográfica, y su deseo de controlar su propio destino, posiblemente lanzando su propia música por internet.

En los últimos años se lanzaron una serie de compilados temáticos de canciones de sus primeros álbumes: "The Beginning Of Survival" (2004), "Dreamland" (2004) y "Songs of a Prairie Girl" (2005), que ella editó tras aceptar una invitación para participar en el concierto Saskatchewan Centennial en Saskatoon, frente a la reina. En las notas de esta última compilación, Mitchell escribió que la colección es su contribución a las celebraciones.
Su álbum "Both Sides Now" aparece en la película "Love Actually", en la que varios de los protagonistas escuchan el disco.

Regreso

En octubre de 2006, Joni Mitchell comunicó que en los últimos meses se vio componiendo y grabando material para un nuevo trabajo discográfico. En julio de 2007, luego de varias semanas de rumores, se oficializó que el flamante sello discográfico Hear Music, con el que Paul McCartney publicó su exitoso álbum Memory Almost Full en junio de ese año, estaría publicando el nuevo álbum de Joni Mitchell, titulado Shine, en septiembre de 2007. Sería este el primer álbum de nuevo material de Joni en 9 años.


Dada la gran promoción que ha recibido el álbum de McCartney –partiendo del despliegue monumental de Memory Almost Full siendo reproducido y exhibido en cada local de la cadena de cafeterías Starbucks–, es esperable que el álbum de Mitchell tenga similar exposición y ventas considerables.



 Guitar style

Casi todas las canciones que ella compuso con su guitarra usan una afinación abierta, o no estándar; ella ha escrito canciones en alrededor de 50 afinaciones diferentes. El uso de afinaciones alternativas permite una mayor variedad y complejidad de armonías que pueden ser producidas con la guitarra, sin la necesidad de combinaciones de acordes difíciles. De hecho, muchas de las canciones de Mitchell usan combinaciones muy simples, pero su uso de afinaciones alternativas y su estilo de rasgueo altamente rítmico crea un sonido rico y único. Su estilo ha evolucionado con los años, desde un estilo intrincado, tipificado por las canciones de guitarra de su primer álbum, a uno más holgado y rítmico, a veces incorporando "slaps" percusivos, como en sus más recientes álbumes.

Influencia

Mitchell puede ser considerada una "música de los músicos"; su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo ha influenciado a cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos géneros, como K.D. Lang, Elvis Costello, PM Dawn, Janet Jackson, Agnes Chan, y Prince.

Por ejemplo, la canción de Prince llamada "The Ballad of Dorothy Parker" (de su álbum Sign 'O' the Times, debe mucho a Mitchell, tanto por sus armonías evocadoras del estilo de Mitchell como por el uso de técnicas propias de ella: como en la canción de Mitchell "This Flight Tonight", Prince hace referencia a una canción en su letra ("Help Me", de Joni) mientras que la música emula los acordes y melodías de esa canción.

Janet Jackson usó un sample de "Big Yellow Taxi" en un single de 1998, "Got 'Til It's Gone" (al parecer, a Mitchell le agradó, por lo que apareció en MTV/VH1 en un clip corto en el que aprobaba la canción). Counting Crows tuvo un hit en 2002 con una versión de "Big Yellow Taxi". La banda norteamericana Sonic Youth, homenajeó a Mitchell en su disco Daydream Nation de 1988, dedicándole la canción "Hey Joni". Aunque Mitchell usualmente evita hablar sobre otros artistas, en especial de aquellos a los que influenció, ella ha quedado impresionada por dos artistas de jazz que intrepretaron parte de su obra, Cassandra Wilson y Diana Krall. Aunque la mayoría de los oyentes tienden a recordar los éxitos tempranos de Mitchell (de sus álbumes más comerciales), muchos músicos se inspiraron en sus trabajos más experimentales, particularmente en The Hissing of Summer Lawns y Hejira. Ella también elogió a los New Radicals.

Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame (o "Salón de la Fama de la Música Canadiense") en 1981 y en el Rock and Roll Hall of Fame (o "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1997. En 1995 recibió el "Century Award" de Billboard. El primero de mayo de 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada ("Orden de Canadá"). También recibió el premio "Grammy Lifetime Achievement Award" en 2002, acompañado de una mención que la describía como "una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock" y "una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad."

Mitchell recibió un doctorado honorario de la McGill University el 27 de octubre de 2004.

Discografía
Don Juan's Reckless Daughter (1977) fue un álbum que se alejaba más del pop para adentrarse en la libertad y abstracción del jazz, un renombrado doble álbum por la larga parte improvisada "Paprika Plains". El álbum recibió diferentes críticas: algunos disfrutaban su originalidad y experimentación, inesperados por muchas de las estrellas y celebridades del ámbito musical en ese entonces. Otros argumentaron que este estilo de música ya se había implementado, citando el hecho de que numerosas bandas de jam ya tocaban para estudiantes colegiales en un estilo similar y frecuentes veces con un similar grado de convicción. La tapa del álbum creó su propia controversia; Mitchell figuraba en muchas fotografías de la portada, incluyendo una en la que ella disfrazada como un hombre negro.

El siguiente trabajo de Mitchell tuvo la colaboración del bajista Charles Mingus, que murió antes que el proyecto terminase en 1979. Mitchell terminó las canciones con un banda que incluía a Pastorius, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Mingus fue mal recibido; las audiencias de rock no fueron receptivas, y los puristas del jazz no estaban convencidos. Sin embargo, la apreciación por este trabajo fue creciendo considerablemente al pasar los años.
 Fuentes
 wikipedia
http://jonimitchell.com/

Personal del disco Hejira :
Joni Mitchell: Voz, guitarra rítmica y eléctrica

Jaco Pastorius: bajo en tracks 1, 5, 7, 9

Max Bennett: bajo en tracks 3, 6

Larry Carlton: guitarra principal en tracks 2, 4, 7; guitarra acústica en track 8

Bobbye Hall: percusión en tracks 1, 4, 5

Victon Feldman: vibráfono en track 2

Neil Young: armonica en track 3

John Guerrin: batería

Abe Most: clarinete en track 5

Chuck Domanico: bajo en track 8

Chuck Findley: trompa en track 9

Tom Scott: trompa en track 9


Lista de Temas:


1. Coyote

2. Amelia

3. Furry Sings the Blues

4. A Strange Boy

5. Hejira

6. Song for Sharon

7. Black Crow

8. Blue Motel Room

9. Refuge of the Roads


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Tiempo De Percusion : Domingo Cura (folclore Argentino percusion)
 El gigante de la percusion Sudamericana nos regala es gran disco , su fallecimiento hace 3años ya , si no me equivoco, ha dejado al corazon  de la musica popular argentina sin su latido , sin su pulso , un maestro en todo el sentido de la palabra. En una pagina de internet he leido un articulo muy bonito acerca del maestro, aqui se los dejo.



martes 4 de marzo de 2008

 PARADIGMAS: DOMINGO CURA

Los dioses perezosos, las tribus salvajes, los desiertos, y los altares originarios, retumban en el bombo de Domingo Cura.Domingo Cura , nació en una fecha bien folklórica, nació un siete de abril, como si fuera un capricho de Santiago Del Estero. "En Santiago del Estero la siesta es de una a cinco de la tarde, y es sagrada, no ves a nadie en la calle. Yo de chico, a esa hora, agarraba un tarro de galletas vacío, dos palitos que cortaba del mango de un plumero viejo y empezaba a darle"El rocío sobre las taperas, los viejos vagones moribundos en el óxido, los pueblos que desaparecen, la soja que crece sin Dios, todo eso late en el bombo de Domingo Cura. A los 12 años aprendió a tocar el bombo, aprendió a reproducir el ritmo de Santos Vega por los caminos; la marcha de las coplas en las bocas de los desconocidos; las pulsaciones de la memoria en el bombo legüero.Domingo Cura, grabó con los más destacados artistas del género, entre ellos, Los Cantores de Quilla Huasi, Los Hermanos Verón, Chico Novarro, Nat King Cole.Domingo Cura, fue instrumentista de Mercedes Sosa "Cuando uno sale al escenario se pone más nervioso si es conocido. Trabajé muchos años con Mercedes Sosa y me acuerdo de ella diciéndome "Hermano, qué nerviosa estoy".Alguien llamado Domingo Cura, tenía que tener protagonismo en la misa criolla "En todos los años que toqué con Ariel (Ramírez), lo veía ir y venir entre bambalinas, de una punta a otra, antes de salir, él me ponía nervioso a mí. En la Misa Criolla, eramos un montón de tipos y el que llevaba toda la responsabilidad era yo, que empezaba con el bombo e iba acomodando todo. ¡Cómo se siente la carga! El organismo se altera totalmente"Cura también acompañó a su cuñado, Hugo Díaz, por la aventura de la melodía popular, "Mi relación con Hugo Díaz era de hermanos. Hasta nos echaron juntos del colegio, en tercer grado, porque éramos pésimos los dos. Estábamos todo el día en otra cosa, él con la armónica en el bolsillo y yo con dos palitos cortados de un plumero con los que golpeaba todo lo que encontraba. Con el tiempo, él salió casándose con mi hermana, así que fue de la familia en serio"Domingo Cura murió arriba del escenario, tocando el bongó, la noche del sábado 13 de Noviembre de 2004.Ingresó a la eternidad a puro retumbo, se fue al silencio haciendo el sonido que más le gustaba, despidiéndose de la vida, de la misma manera en que había vivido: golpeando la luna de cuero, eclipsando ritmos, alcanzando la percusión de las comarcas, el latir de tantas querencias, Domingo se fue a hacer ruidos en el cielo

fuente del articulo: http://lafolklorica.blogspot.com/2008/03/paradigmas-domingo-cura.html
EDICIÓN ARTÍSTICA: CELSO MIÑO / ALEJANDRO CAROSELLA

TEXTO Y GUIÓN: PEDRO PATZER

DIRECCIÓN ARTÍSTICA: MARCELO SIMÓN

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Hiro Yanagida - same (Rock  Progresivo ,1971, Japon)


Elegimos este disco , teniendo en cuenta , que en el mismo se pone de maqnifiesto una verdadera reinterpreatcion de clasicos, tales como fantasia , o good morning people , desde la perspectiva del rock sinfonico .
 Breve reseña biografica de wikipedia (perdon la traduccion)
 Hiro Yanagida was the keyboardist for two early Japanese psych bands such, Food Brain and Love Live Life + One. Hiro Yanagida fue el tecladista de dos bandas de principios de psicología japonesas, alimento para el cerebro y el Amor en Vivo Una Vida +. His eponymous solo album from 1971 is typical of the early Japanese psych bands though sometimes showing a bit of progressive influence (such as hints of the Nice/Emerson between jams). Su álbum en solitario del mismo nombre a partir de 1971 es típico de las bandas de principios de psicología japonesa aunque a veces muestra un poco de influencia progresiva (por ejemplo, indicios de la Niza / Emerson entre los atascos). Driving, energetic blues based hard rock/psych jams with Yanagida's swirling Hammond trading licks with Kimio Mizutani's blistering guitar leads. Conducción, blues energético basado hard rock / atascos psicología agitando Yanagida de lame comerciales con Hammond lleva Kimio Mizutani la guitarra de ampollas. Of particular note is the eight minute "The Murder in the Midnight" with Yanagida turning in some fine Hammond work. De particular interés es el de ocho minutos "El asesinato de la medianoche" con Yanagida de inflexión en algunos funcionan bien Hammond. Flute and sax make appearances on a few cuts. Flauta y saxo hacer apariciones en algunos cortes. One or two songs, such as "My Dear Mary" (which features Speed, Glue & Shinki's Joey Smith on vocals) are in the pop vein, much of this album is raw blues/psych but it comes off as a mixed bag.http://www.gepr.net/y.html#YANAGIDAHIROJapanese pianistsYear of birth missing Living peopleJapanese rock music???? Uno o dos canciones, como "Mi Querida María" (que cuenta con velocidad, Joey pegamento y Shinki Smith como vocalista) están en la onda del pop, gran parte de este álbum es el blues crudo / psicología pero sale como un bag.http mixtos : / / www.gepr.net / y.html pianistsYear # YANAGIDAHIROJapanese de nacimiento desaparecidos Vivir la música rock peopleJapanese.


fuente : http://en.wikipedia.org/wiki/Hiro Yanagida Fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/Hiro Yanagida
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Los Kjarkas y Savia Andina (Musica  tradicional andina folclorica , Bolivia)


Historia de los Kjarkas

Una noche de San Juan, junto al fuego, mientras tocaban unas guitarras y cantaban sus canciones preferidas, nacieron los Kjarkas (fuerza o fuertes). Eran Wilson, Castel y Gonzalo Hermosa y, junto a ellos, Edgar Villarroel, que por entonces (1971) se identificaban como aventureros e indomables, es decir todos unos Kjarkas, aunque ya venían rasgando cuerdas y afinando voces desde 1965. La idea era formar un cuarteto que hiciera música folklórica latinoamericana (zambas argentinas, principalmente); querían distraerse, quizás costearse la comida y algunos tragos, pues en esa época el folklore boliviano era muy poco apreciado, quizás sólo se emitía al amanecer en las emisoras de onda media (mucho más desfavorable todavía era el caso de la música autóctona).

De pronto aparecieron la peñas folklóricas, en las que se recibía de muy buen agrado las cuecas, huayños y bailecitos, y esto significó, paralelamente, el surgimiento de condiciones ideales para el cultivo en serio de la música boliviana.

El tiempo pasó y un día los Kjarkas se vieron fragmentados; tres de sus integrantes dejaban el grupo (del que seguramente no esperaban más que un agradable pasatiempo) y los espacios vacantes fueron llenados por músicos de gran talento como Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía, gracias a lo que se inició el siguiente, grande e importante paso del grupo. Los Kjarkas grabaron su primer disco, editado en México (Bolivia) y durante 11 años, llevaron por varios continentes la música boliviana, a la que los oídos bolivianos y extranjeros, poco a poco se iban tornando.

Esta etapa, además, se caracterizó por el ingreso al grupo de Gastón Guardia, Guillermo Ponce y Edgar Villarroel (homónimo del integrante original) y también de Elmer y Ulises Hermosa (la voz principal y el gran compositor).

Fuente:http://www.bolivia.com/noticias/autonoticias/DetalleNoticia27140.asp

Lista de canciones:


KUTIMUY - Los Kjarkas

JOYITA COCHABAMBINITA - Savia Andina

ANTAWARA - Los Kjarkas

RUMI SONCKÓ - Savia Andina

TUTUMA - Los Kjarkas

VOLVIENDO AL VALLE - Savia Andina

CHULLPARA - Los Kjarkas

EL SICURI - Savia Andina

POR UN SUEÑO DE AMOR - Los Kjarkas

SELECCION COCHABAMBINA - Savia Andina

KILLA WAÑUY (MUERTE A LA LUNA) - Los Kjarkas

FLOR DE UN DIA - Savia Andina

TINKU - Los Kjarkas

KHARU KASAYKIPI (EN TU LEJANIA) - Savia Andina

CHILLY - Los Kjarkas

HIMNO AL LITORAL - Savia Andina

LInk descarga:
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Alfredo Naranjo (Latin Jazz Venezuela-1999, clasicos venezolanos y jazz )


Algunos terminos que utilizamos en la cotideaneidad a la hora de distinguir , a ciertos artistas o a algunas  estructuras sonoras , suelen caracterizarse por ideas  ,signadas   por su abstraccion , su complejidad , ( que en muchos casos desconocemos )  , uno de esas ideas toma vida en el concepto de "Sabor" , como se llama en centroamerica , swing como lo llaman en EEUU , o la cubania como lo denominan los Cubanos ,  el canyengue como lo expreasn  los tangueros argentinos  , en lineas generales aludimos a una serie de caracteres  armonicos y por sobre todas las cosas ritmicos  , que nos posibilitan identificar un sonido con un espacio geografico, enmarcado en  un clima de epoca determinado , en mi caso particular esta nocion , sigue siendo un enigma de dificil resolucion quizas sea esto uno de los atractivos mas interesantes de dicho concepto propio de la musica popular ,  por lo general como oyente uno se acerca a esatas definiciones (completamente abiertas )   a partir de escuchar a algunos artistas , es por eso que he elegido este disco , quizas pueda ayudarnos , no para encontrar respuesta cierta sino para incorporar nuevas incognitas . Alfredo Naranjo es un vibrafonista Venezolano con un sonido muy peculiar , con un fraseo que pasa de un vertigo sonoro muy interesannte a momentos de una intimidad muy logarda en este disco recoore el Latin Jazz y algunos clasicos de la musica popular Venezolan
Musicos:
Alfredo Naranjo : Vibrafono y Percusión

Andrés Briceño : Batería

Miguel Urbina : Congas, Mina,Cumaco, Fulía, Curbata, Percusión y Voces

Carlos Rodríguez : Bajo

Victor Mestas : Piano y Teclados

Cesar Bolívar : Percusión

Dayhan Montiel, Antonio Armas : Voz

Alberto Vergara, Maigualida Ocaña : Coros

Invitados:

Ed Calle : Saxofones y Flauta

Arturo Sandoval, Tony Concepción : Trompeta

Dana Teboe : Trombón

Leo Quintero : Guitarra

Ensamble Gurrufio : Luis Julio Toro (flauta), David Peña (contrabajo), Ernesto Laya (Maracas), Cheo Hurtado (cuatro)
lista de temas

01 - Afro-Venezuelan Bop (Alfredo Naranjo)

02 - Tuyero Jazz (Alfredo Naranjo)

03 - El Diablo Influenciado (Heraclio Hernández)

04 - Patmieri (Alfredo Naranjo)

05 - Mina Miles (Alfredo Naranjo)

06 - Dijo Bien (Alfredo Naranjo)

07 - El Esperancero, Vals No. 2 (Alfredo Naranjo/Antonio Lauro)

08 - Caballo Viejo (Simón Díaz)

09 - Sigueme (Alfredo Naranjo)

10 - Un Poco De Fé (Alfredo Naranjo)

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 Camaron de la Isla  "La Leyenda del Tiempo" (1979 España flamenco- rock progresivo fusion )





Realmente este hombre es uno de mis cantantes favoritos como dirian en España "Cantaor " su muerte dejo al flameco sin una de sus voces mas sensibles,  pero como cantabel propio Camaron  "Vivire mientras que mi alma suene " y vaya si sigue sonando.
Este disco  realmente es de lo mejor de Camaron acompañado por el Tomatito en guitarra y  Jorge Pardo  . Abre nuevos horizontes nunca antes vistos, ni repetidos, dentro de las grabaciones del flamenco. En este LP conviven  Rock progresivo y flamenco, cocinado junto a Raimundo Amador y miembros de los grupos Alameda y Dolores. Los poemas de Lorca dan cuerpo a las letras de este disco. Les recomiendo un libro muy interesante sobre Camaron y su vida  De Carlos Lencero "La leyenda del Cantaor solitario"
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 Orquesta Puerto Candelaria "LLego la banda " (2006 Colombia - musica popular colombiana contemporanea)



  Un grupo que impresiona no solo por su propuesta sonora , sino tambien por una estetica muy peculiar que nos aproxima  a nuevas miradas de la musica colombiana , en el marco de todo un proceso de reformulacion de ciertas tradiciones culturales , del cual forman partes un grupo importante de artistas en toda america latina  una (nueva onda ) en el sentido mas romeriano (de Adelmaro Romero) .  Las intenciones de Juan Diego Valencia (pianista y compositor) y su grupo (Eduardo Gonzales, bajo - José Tobón, saxo - Christian Ríos, trombón - Juan Fernando Montoya, percusión) están muy claras: hacer "Jazz a lo colombiano". Pto. Candelaria ha conseguido un sonido auténticamente colombiano que se nutre a veces con naturalidad, a veces con ironía, de los ritmos mas sabrosos que ha dado nuestra tierra, desde el ilustre porro hasta el vilipendiado chucu-chucu, sin olvidar eso sí que son músicos de jazz y sin dejar de aprovechar el impresionante talento del compositor y arreglista Juan Diego Valencia.
Puerto Candelaria se han convertido en favoritos del público y han sido invitados a cuanto festival de jazz o de nuevas músicas se realiza en Colombia. Han tocado también en Brasil, Mexico y España..

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Arturo Zambo Cavero- Oscar Aviles(Siempre- musica afroperuana )

Oscar Avilés: ícono de la Música Peruana (por Hanssel Privat)
Puerto Candelaria - Llegó la Banda (2006)

No hay palabras para definir a este inmortal de la música peruana que a la edad de 80 años conserva la magia en sus dedos para ejecutar nuestra música en la guitarra como solo él lo ha sabido hacer.
Don Porfidio Vasquez, amo y señor del género negro de la Música Peruana, con una sola cuarteta improvisada allá por el 63 lo definió diciendo "Cantaron una jarana, San Pedro dijo: quien es? Y el Padre eterno responde: Ese es Oscar Avilés.
Oscar Avilés puede ufanarse de haber impuesto un estilo genuino, una escuela propia, una manera personal de hacer música peruana, más propiamente canción criolla. El estilo de Avilés de acompañamiento sentó una verdadera revolución. Aunque haya perdido no menos de tres a cuatro veces su guitarra prodigiosa (descuidos, olvidos, apuros) Oscar sabe que nadie podra arrebatarle su modo o manera de pulsar el instrumento de seis cuerdas.
En el Callao, cerca de la calle América en el tradicional barrio de Zepita nació Oscar Avilés Arcos. Hijo de don José Avilés Cáceres, notable fotóografo profesional y pionero de la cinematografia en el Perú. A don Josó Avilés se debe no solo haber montado un extraordinario estudio de fotografia en el jirón de la Unión (calle Boza), sino haber formado reconocidos artistas y profesionales que enrumbaron hacia los periódicos y revistas. Se casó con la dama chilena Angelica Arcos, A los doce años fué la abuela materna de Oscar doña Carmela Alván, quien le enseñó a tocar guitarra. La vocación era caudalosa: oido excepcional, digitación perfecta y un vehemente empeño. Ya llegando a los veinte años se decide a ser un autentico profesional. Y toma aprendizaje, consejo, maneras del ilustre profesor peruano don Isidro Purizaga. Asi del año 38 al 40 comienza a trabajar en los trios de cuerda de las emisoras locales.
No se nesecita ser un experto en la música para reconocer el toque, el estilo, la menera de interpretar la guitarra del maestro Avilés. "Antes lo usual era el acompañamiento de los interpretes con notas graves, eso que se llama el bordoneo. Yo me atraví emplear las notas agudas. Aquella linea, esa sucesión de agudos, pienso que define mi sonido especial" explica el propio Avilés. Tambien cabe destacar la nitidez(digitación) y la maestria en el cual involucra entrega, pasión y amor por nuestra música, todo esto es Avilés.
Ademas de guitarrista, eminente compositor, integrante de renombradas entidades músicales: trios, cuartestos y conjuntos diversos. Ademas exitoso promotor de producciones disqueras, descubridos de nuevas figuras y un extraordinario animador en cuerdas, voz y ocurrencias de las mas auténticas jaranas criollas.
Uno de los duos mas importantes de nuestra música sin duda lo formo con Arturo "Zambo" Cavero, la mescla de la guitarra, cajón, una buena voz, picardia y jarana de la buena, forma parte importante de la historia del criollismo.

El 3 de junio de 1987 en Washington DC, USA Arturo "Zambo" cavero, Luis Abanto Morales, Jesus Vasquez, Agusto Polo Campos y Oscar Avilés fueron galardonados por la OEA en honor a sus meritos despues que el Consejo Interamericano de Música hizo una evaluación de sus trayectorias.

"Los Morochucos" fue uno de los mejores trios que formo junto a Tito Ego y Alejandro Cortez quienes llegaron a la meca del cine mundial "Hollywood" en compañia del gran actor y cantante Bing Crosby.

El mejor conjunto de música peruana de todos los tiempos ha sido "Fiesta Criolla" que formaban: Panchito Jiménez en la primera voz, Humberto "oiga" Cervantes segunda voz y guitarra, Oscar Avilés primera guitarra, Pedrito Torres "veriga" en las castañuelas y Arístides Ramírez en el cajón.

Oscar Avilés cuando inventó la segunda versión de "Fiesta Criolla" con Panchito Jiménez, Canano Barrenechea, Enrique Avilés, Fico Dávila y Ernesto Samamé.
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Carol Kaye - Picking up on the E-string ( EEUU rock pop jazz1974)


Esta mujer es una gran bajista y una docente reconocida internacionalmente  este es un muy buen disco . Como dice en su página en la red, "si has escuchado la radio o has visto la TV desde 1958, la has oído tocar". Una de los músicos de sesión con más carrera de la Costa Oeste (ha grabado con prácticamente todo el mundo: desde los Beach Boys a Henry Mancini, pasando por los Monkees, Quincy Jones, Mel Torme, etc.), trabajó con Zappa y los Mothers tocando la guitarra de 12 cuerdas en Freak Out!

Empezó como contrabajista y se cambió al bajo electrico en el 63.
Además, desde 1969, se dedicó a la docencia y a escribir libros acerca del bajo y su técnica.
Sin duda, es una de las mejores, y mas contratadas, bajistas de sesión de la historia de la música moderna. Y su método de "tecnica del bajo electrico" es legendario, sino preguntenle a Paul McCartney o a Brian Wilson.
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Chabuca Granda  Oscar aviles"Dialogando (1990)"(afroperuana )

Todos conocemos la voz cargada de sutilezas , de inflexiones , matices , de Chabuca granad elijo este disco , dado que tiene unos temas exelentes  , y tiene el acompañamiento del guitarrista gran referente de la guitarra criolla pereuana , Oscar Aviles , creo que en este caso no es necesario dar una reseña biografica  desde mi humuilde punto de vista Chabuca es  una de las artistas mas trascendentes de la musica popular del siglo XX en Sudamerica .

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Peter Gabriel - Passion (Musica para el film the last temptation of christ EEUU -1989)



Desde ya un gran disco , de un muy buen musico con un sentido estetetico sublime , mis te mas favoritos son Of These, Hope , A Different Drum  , Sandstorm .En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.

De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.

Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera contra las injusticias y los problemas sociales más variados como tales como la pobreza y la discriminación en Sudáfrica, y su gran postura defensora de los Derechos Humanos, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. Es más, sus primeras visitas a países de Latinoamerica se debieron a su participación en los multitudinarios conciertos de Amnistía Internacional, en el de Argentina de 1988 y en el de Chile de 1990. En la actualidad, Gabriel colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.


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Leda Valladares grito en el cielo 2 volumenes (folclore argentino tradicional,  noroeste) 1989


Este tipo de recopílaciones , recogen en cierto modo "El canto de Todos" . Este recorrido por todas la regiones del pais ,  resalta todo este universo cultural anonimo que impone su presencia en las grandes obras folcloricas , en tal sentido la labor de Leda Valladares es trascendente , para esta tarea tiene la compania de 9importantes artistas argentinoi s, como Pedro Aznar y Suna Rocha entre otros .

Leda valladares grito en el cielo 1


1. BAGUALA DE SALTA, CHICOANA

Chicha Guanca, cantora de la zona

2. POR ESOS MONTES

Vidala de Santiago del Estero, Loreto / Suna Rocha y Pedro Aznar

3. DICEN QUE EL MUNDO ES REDONDO

Tonada de Salta, Iruya / Fito Páez y Comparsa

4. ESA FULANITA

Vidala de La Rioja, Malligasta / Liliana Herrero y Leda Valladares

5. AY NARANJAL

Vidala de Tucumán, Yerba Buena / Comparsa Grande

6. VIDALITA ANDINA DE CATAMARCA, TINOGASTA, CERRO NEGRO

Oscar Palacios

7. TONADA DE CUARESMA

Jujuy, Abrapampa / Santos Estrada, cantor de la zona

8. BAGUALAS DE TUCUMAN, TAFI DEL VALLE

Isidora Alvarez, cantora de la zona

9. TU PRIMER DUEÑO

Vidala de Santiago del Estero, Rubia Moreno / Ica Novo y Raúl Carnota

10. COMO PERDIZ EN EL CAMPO

Tonada de Jujuy, Abramayo / Leopoldo Brizuela y Comparsa

11. POBRE MI NEGRA

Vidala de Santiago del Estero, Sumamao / María de Michelis y Leda Valladares

12. A MI ME DICEN EL TONTO

Tonada de Salta, Iruya / Federico Moura, Daniel Sbarra y Comparsa

13. CAUTIVANDO CORAZONES

Baguala de Salta, Valle de Lerma / Leda Valladares

14. ECHEN COPLAS

Baguala de Catamarca, Belén / Liliana Herrero y Comparsa

15. BAGUALA DE TUCUMAN, RIARTE, TRANCAS

Pedro Aznar

16. SI TE VAS YO ME QUEDO LLORANDO

Vidala de La Rioja, Anguinán / Leda Valladares y Roberto Catarineu

17. CUANDO ERAS MOZA SOLTERA

Tonada de Jujuy, Altiplano / Fabiana Cantilo, Fito Páez y Comparsa

18. SIN DARLE MOTIVO

Baguala de Catamarca, Belén / Suna Rocha

19. AHI ESTA MI CORAZON

Vidala de Catamarca, Belén / Comparsa Grande

20. BAGUALAS DE SALTA

Cantores de los valles: Severo Báez de Cachi, Dorotea Tolaba de Amblayo, Calixta Díaz de San Carlos, Isabel Orellana de Rosario de la Frontera, Virginia Vilte de Díaz, de Cafayate

21. VIENTO Y AGUACERO

Tonada de la Quebrada de Humahuaca, Jujuy

Leda Valladares y Comparsa Grande / Erkencho: Bernardo di Vruno

22. LLORANDO ESTOY

Vidala de La Rioja / Leda Valladares y León Gieco

23. BAGUALAS DE TUCUMAN, TAFI DEL VALLE

Cantoras de los valles: Rosa Guanco, Isidora Alvarez

24. QUE LINDA SOIS

Vidala de Santiago del Estero, Loreto / Julio y Manuel Gómez Carrillo

25. SOBRE LAS FLORES

Tonada de Jujuy, La Quiaca / Marta Coronel y Comparsa

26. BAGUALAS DE SALTA

Cantores de los valles

27. BAGUALA DEL CABALLO

28. BAGUALA DE LA PEÑA

29. VIDALA DEL MONTE

Tomás Vázquez (de Guachipas)

30. POBRECITO MI CABALLO (Baguala)

31. DOLORIDA DE MI PECHO (Baguala)

32. MI CAJA LLORA (Baguala)

Máxima Corimayo (de Chamical)

33. NACIDA EN EL VALLE (Baguala)

34. AFUERITA DEL CORRAL (Tonada)

Balbina Ramos (de Nazareno)

35. YO SOY LA CHAMICALEÑA (Baguala)

Dina Estopiñán (de Chamical)

36. ESA VIUDITA

Vidala de La Rioja, Chilecito / Leda Valladares, Roberto Catarineu

37. LO MISMO QUE EL COYUYO

Baguala de Las Estancias, Catamarca / Leda Valladares y Comparsa Florida del Centro Universitario Ricardo Rojas

38. TONADA

Teresita Cruz de la ciudad de Jujuy
 
Leda valladares grito en el cielo 2


01. virginia vilte (leda valladares)

02. dorotea tolaba (leda valladares)

03. calixta diaz (leda valladares)

04. nadie lo riega (leda valladares)

05. torito cumbreño (leda valladares)

06. y ya me voy (leda valladares)

07. la gota cava la piedra (leda valladares)

08. banderita colorada (leda valladares)

09. en atamisqui (leda valladares)

10. de vicio me has de aborrecer (leda valladares)

11. adonde sabras vivir (leda valladares)

12. margarita y azucena (leda valladares)

13. tonadas de salta, iruya (leda valladares)

14. seras libre palomita (leda valladares)

15. viene lloviendo (leda valladares)

16. en otro poder (leda valladares)

17. baguala de guachipas, salta (leda valladares)

18. cuarenta y cinco limones (leda valladares)

19. contrapunto de tonadas (leda valladares)

20. yo soy como el tigre (leda valladares)

21. baguala de salta (leda valladares)

22. solo mi corazon sabe (leda valladares)

23. me la paso cantando (leda valladares)

24. carnaval, canto anatas (leda valladares)

25. solo canto esta copla (leda valladares)

26. baguala de salta (leda valladares)

27. le traigo esta flor (leda valladares)

28. se alegremos (leda valladares)

29. las lejas tierras (leda valladares)

30. baguala de salta (leda valladares)

31. no soy de estos pagos (leda valladares)

32. contrapunto de bagualas (leda valladares)

33. tonada de verano (leda valladares)

34. tonada (leda valladares)
Fragmento de un repotaje a Maria Elena Walsh acecrca de la musica del noroeste Argentino
¿Cómo y cuándo descubre la música del noroeste, las bagualas, las vidalas y otras tantas melodías?


Durmiendo. Estaba en Cafayate, Salta. Era una noche de Carnaval, yo tenía 21 años y allí descubrí la baguala. Me desvelaron tres mujeres que se detuvieron frente a mi balcón. Yo nunca había oído hablar de la baguala y entonces me parecía que tenía que ser algo muy misterioso, muy poderoso. Después de escucharlas me prometí recuperar semejante regalo de la tierra. Eran rastros de una canción que tenía muchos siglos y se estaba descolgando, estaba desapareciendo. Salí a buscar los vestigios de este milagro que hasta ese momento desconocía. A mí nunca me había tocado encontrar la voz agreste y salida de la montaña. Pero era un grito muy solitario, y ya ese pobre grito estaba tan viudo, tan solo, que daba pánico. Entonces tomé una especie de conciencia bastante trágica. Un país que estaba al borde de perder su historia, sus tradiciones, y nadie se daba cuenta de que todo eso se estaba muriendo o que ya estaba muerto.

¿Y cuándo toma la decisión de registrar esas melodías y hacer el Mapa Musical Argentino?

Surge cuando yo salgo a los campos y oigo esos cantos que están tan solitarios en los cañaverales, en todo el paisaje del norte y veo que todo eso está en una soledad pavorosa. Francamente no tiene oyentes, no tiene testigos, no tiene testimonios. Y eso es como sentir una especie de pesadilla, o de gran invento histórico. ¿Dónde estaba todo eso? Era leyenda, ¿quién había inventado todo eso? Ya venía a ser leyenda, porque casi no había rastros de todo eso. Con mi modesto grabadorcito a cuestas fui recogiendo el folklore desde Ecuador hasta Santiago del Estero. Y así, con mucha paciencia, fui reconstruyendo el mapa musical del país, y arrancando esos cantos de callejones, ranchos, valles, quebradas o corrales. Lugares donde la gente se reunía o pastores en su soledad, en medio del valle.

¿No era una tarea casi heroica reconocer el momento justo donde se da cada canto, donde encontrarlo, iba a tientas, palpando con sus sentidos, sin ninguna referencia?

Era una especie de tarea; yo no sé si era real o irreal. Porque no sabía si esa música, ese folklore había muerto o era puro pasado. Ya eran ganas de que se inventara la realidad.

Era cómo hacer un camino, con pasos hacia atrás, pero con los ojos vendados.

Sí, pero de pasos hacia atrás y con pasos inventados. Salí a la aventura, a buscar lo que sea. Conocía las regiones, pero nadie me lashabía enseñado. Uno nunca sabe qué es lo que está palpando, si son rastros o son inventos de la gente que anda por el lugar. No se sabe bien qué es.


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 Frank Zappa - Joe's Garage ( EEUU 1979 -ROCK ETERNAMENTE CONTEMPORANEO)

 Que podemos decir de este genio del rock que ne haya dicho antes ,   no solo , un guitarrista brillante desde el punto de vista de conocimiento del estilo del rock , un icono  y por sobre todas las un artista inagotable , cuanta falta le hacen este tipo de artistas al rock , que a nuestra consideracion  en tiempos en los que el genero rock se encuentra en un momento de crisis creativa , en una decadencia importante, Joe's Garage: Acts I, II & III es una ópera rock del músico y compositor estadounidense Frank Zappa. El álbum tiene a Ike Willis como la voz de "Joe", un joven que se adentra en el mundo de la música. Zappa pone la voz a "El escrutador central", una voz mecánica que narra la historia y persigue la psique de Joe.

El álbum, en un principio, se editó en dos partes, la primera de ella siendo un LP sencillo del acto primero, y la segunda un doble LP con los actos 2 y 3. Los tres actos después fueron editados de forma conjunta en una caja recopilatoria, y después en un doble CD. Los temas del álbum son mayoritariamente sobre las chicas que persiguen a los músicos (groupies), la burla a la cienciología, fetichismo, bandas de garage, y sobre todo, la censura a la que se tenía que enfrentar la música.

Joe's Garage es particularmente notable por el uso de la técnica de xenochrony, que consistía en tomar solos de guitarra de álbumes anteriores y superponerlas a las nuevas canciones en el estudio de gración. Con la excepción de "Watermelon in Easter Hay" y "Crew Slut", todos los solos del álbum se consiguieron de esta forma. En este disco la historia es contada como comic pornográfico. Frank Zappa logra caricaturizar las grandes amenazas de las sociedad norteamericana con una mirada profundamente crítica y con un música frenéticamente arreglada con un genio de dimensiones solo comparable al de pocos compositores contemporáneos.

 Mis temas favoritos son : "Catholic Girls"  , "The Central Scrutinizer" y "Watermelon in Easter Hay".
veamos la lista interesantisima y eclectica de musicos que participaron en este disco :
Frank Zappa – Voz, guitarra


Warren Cuccurullo – Guitarra rítmica, voz, coros, órgano, guitarra

Denny Walley – Vocz, Guitarra slide, guitarra

Craig Twister Steward – Armónica

Jeff – Saxofón tenor

Marginal Chagrin – Saxofón barítono

Patrick O'Hearn –bajo

Peter Wolf – Teclados

Stumuk – Saxofón
Tommy Mars – Teclados

Vinnie Colaiuta – Batería, Percusión

Arthur Barrow – Voz, bajo

Ed Mann – Voz, percusión

Dale Bozzio – Voz

Al Malkin – Voz

Ike Willis – Voz

Barbara Isaak – Coros, asistente

Geordie Hormel – Coros

Terry Bozzio – Voz

Ferenc Dobronyi – Diseño de portada

Steve Alsberg – Coordinador del proyecto

Joe Chiccarelli – Ingeniero, mezclas, grabación

Norman Seeff – Fotografía

John Williams – Diseño

Steve Nye – Remezclas

Mick Glossop – Remezclas

Stan Ricker – Masterización

Jack Hunt – Masterización

Thomas Nordegg – Asistente

Tom Cummings – Asistente
 Fuente bio : pagina oficial ZAPPA
http://link-protector.com/205047


http://link-protector.com/205048
 
 Dobet Gnahoré - Djekpa La You [ Costa De Marfil africa  fusion , pop , solu , hip hop , jazz 2010]

 Debo decir , sinceramente , que  encontrarme con este material ha resultado una grata sorpresa ,  esta muchachita de 24 años  , Dobet Gnahoré es una cantante, compositora, bailarina y percusionista , Originaria de Costa de Marfil, el estado africano que más sabe de reggae y de hip-hop, ha desarrollado un acercamiento panafricano a la música en el cual las influencias locales son mezcladas con estilos y lenguas, más allá del continente, dándole un toque occidental gracias a la influencia del guitarrista y coautor de sus temas Colin Laroche de Feline. Desde melodías mandingas a la rumba congoleña, el Ziglibiti de Costa de Marfil al Bikoutsi camerunés, la High-Life de Ghana a los coros zulúes, sus composiciones, llevadas con sonidos atravesados por el jazz, son variadas y coloristas. La sanza, el balafon, la calabaza y los bongos son incorporados para apoyar la guitarra, los acompañamientos vocales y la voz caliente y poderosa de Dobet.

fuente biografica consultada :http://es.paperblog.com/dobet-gnahore-una-artista-fascinante-95451/
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Tower of Power - Rhythm and Business (funk, jazz ,soul) 1997

Aun recuerdo la primera ves que escuche a este grupo , gracias a un saxofonista amigo, en ese momento pense , me fasinaria algun dia participar en algun grupo asi , podria haber elegido cualquier disco de este grupo de Ockland  California, que ha estado durante más de 40 años en el centro de la escena del funk ,elijo este hoy , dado que es el que estoy escuchando mas , ultimamente .Impresionante album de esta aplanadora californiana ,Editado en 1997, contiene 13 joyas del mas puro y extremo funk cañero unas lineas de bajo con mucho grovee una bateria muy potente , en el marco de un discurso coherente, y explosivo, en sintesis un ensamble exelente .


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Los Papines "Rumba sin alardes" ( Cuba, afrocubana  popular) 1994



Excelente disco del , brillante grupo de percionistas cubanos Los papines, referentes ineludibles de la musica cubana , de las ultimas 4 decadas desde su formacioon en 1963 grupo de percusión y vocesen la Habana por los hermanos Luis, Alfredo, Jesús, y Ricardo Abreu, que sería el director y del cual se derivaría el nombre Los Papines, pues sus allegados lo llamaban Papín.

Proceden de una familia de tradición musical en la rumba, con hasta 11 miembros en esta especialidad. Desde sus inicios alcanzaron gran popularidad en Cuba y en los escenarios internacionales en los que se han presentado por lo llamativo y original de sus presentaciones. Cultivan los ritmos afrocubanos guaguancó, columbia, yambú, y jiribillas entre otros (todos ellos variaciones de la rumba). Son por tanto grandes exponentes de la cultura cubana. Tocan de manera muy peculiar los sones y boleros.


Iniciaron su carrera profesional en clubes nocturnos y cabarets, como el Tropicana, pero al irse consolidando consiguieron actuar en los mejores escenarios de Cuba y del mundo, así como también en la radio y la televisión.
Algunos de los países en los que han actuado son Francia, Rusia, Alemania, Japón, México, Estados Unidos y Canadá. Han tocado junto a destacadas figuras como Tito Puente, Panchito Bejerano, Manteca, Daria Nasaco, Chicho de Benni, Ray Barreto, Mongo Santamaría, Roberto Roena, Oreste Vilató. Tienen una amplia discografía.
Esta agrupación se renovó con miembros de su familia tras el fallecimiento de uno de sus integrantes. Llevan más de 40 años siendo punteros de la percusión cubana.~wikipedia.org

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MOZAYIK ''HATIAN CREOLE JAZZ''

(HAITI-U.S.A.2005)



Markus Schwartz es un percusionista con sede en Nueva York, y miembro de la pionera- Afro haitiana quinteto de jazz Mozayik . Markus también ha trabajado con muchos otros artistas haitianos, como Emeline Michel, Azor, Bonga, Jean-Baptiste (Foula), James Germaine, Beethova Obas, Dadi Beaubrun (Boukman Eksperyans / Lataye) y Wyclef Jean.
Este quinteto tiene un sonido muy calido , afrontado distintos generos conj una verstilidad importante,  mis temas favoritos son Havana sunrise , moving on y la balada Limiye entre otros.
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 "Sound of the Earth"David Hudson Steve Roach & Sarah Hopkins ( Musica ambient nativa ,Australia 1990 )




Para los fans del didjeridu , en especial de (David hudson ), les traemos este  mas que interesante disco .Es algo irónico que una de las mejores fusiones aborígenes occidental ha sido la obra del importante músico ambiente americano, Steve Roach." -- (Sydney Morning Herald)

"El calor álbum respira, el aliento abrasador de que la tierra roja y sin lluvia. Está construido sobre un basamento de ambiente sobrenatural, el tipo de arbusto de la noche los sonidos que hacen los viajeros hasta el más valiente y escéptico acercarse al fuego". -- (Sonics, Australia)



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Mingus band "Blues y Politica"(EEUU ,Jazz ,1999)


El Mingus Big Band celebra la música del compositor y Contrabajista Charles Mingus, quien murió en 1979.  Bajo la direccion de Sue Mingus,  retoman la obra de  este referente musical  , tejiendo un entramado sonoro ,cuyo punto de ancalje  es el profundo sentimiento de sensualiad  y lirismo que dejo en carne viva , la musica de este genio del contrabajo , el gran cmpositor , en fan de Duke Ellington , el hombre siempre de opiniones contovertidas , comprometido con su tiempo y su gente. El Mingus Big Band lanzó su disco debut, "Nostalgia en Times Square", en 1993 y desde entonces han llegado a lanzar siete álbumes más. Habiendo recibido seis nominaciones  a los grammy. Este disco es muy bueno la verdad , a mi me impacto.


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Bak Trio(Venezuela -popular - proyeccion folclorica- aires flamencos)

Rafael (El Pollo) Brito,  Diego (El Negro) Alvarez y Roberto Koch , conforman un trio muy poderoso ,  que expone ante nosotros  joyas de la musica de venezuela , y algunos otros temas Sudamericano , merengues , tonadas y joropos, conforman un coctel de buen gusto y explosivo de una formacion que puede indicarnos algunas huellas por que transcurre hoy la musica popular de Venezuela .


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Pink Freud: "Zawijasy" (Polonia-Jazz contemporaneo)

 Si bien desde nuestra modesta perspectiva el jazz de Europa  no  suele exponer expresiones demasiado interesantes (salvando honrosisimas exepciones) . Pink Freud aparece en escena  uno de los sonidos más originales del jazz europeo des nuestro punto de vista . El cuarteto redefinió las composiciones de jazz para acercarse a los gustos del público contemporáneo. Desde su creación en 1998, la actividad del grupo ha contribuido en la transformación generacional del jazz polaco y en la apertura del mercado de la música alternativa.
Wojtek Mazolewski (bajo), Tomasz Zietek (trompeta), Kuba Staruszkiewicz (batería), Tomasz Duda (saxo) y Marcin Masecki (piano), crean una música energética, improvisada, de ricas estructuras formales y sonidos electrónicos que une el espíritu de la fusión de los años 60 y 70 con la modernidad. Las complejas estructuras narrativas, el uso de la electrónica y el humor, son los rasgos característicos del estilo de Pink Freud.

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Mamady Keita -"Wassolon" ( Djembe ,Guinea , trdicional , 1989)
Mamady  Keita el maestro del Djembe , recorre el mundo con Djoliba y participa en los grandes festivales, entre los cuales destaca el Pan-African Festival de Algiers, quien en 1.969 le otorga la medalla de oro y lo nombra “bigger drummer of Africa” (El mayor percusionista de Africa).


En 1.986 participa en Abidjan de Koteba, directamente desde Souleymane Koly. Es en 1.989 cuando crea su grupo Sewa Kan, instalado en Bélgica. “Sin música no hay diversión y sin diversión no hay música”, es el significado de Sewa Kan. Es lo que uno siente cuando asiste a su concierto. Siete percusionistas excepcionales y dos bailarines / cantantes hacen descubrir los ritmos del Mandingo y su espectacular variedad, entre una delicada y completa fusión de tambores, canciones y danzas. Es el poder del significado de Africa y sus tradiciones y más profundas raices. Hemos elegido este disco dado que  nos parecio un disco formativo para quienes no conocemos este instrumento (el djembe) , ademas Keyta se encuentra caompañado de muy buenos musicos  tales como :Navy Fiaty -- djabara, kenkeni, kenken  Didier Labarre -- djembe, dununba, sangban, kenkeni  Ken Ndiaye -- djembe, dununba, kenkeni y los Invitados Jeanne Baegné -- djembe, sangban, kenkeni, dabara, kenken  Pierre Marcault ,  djembe, dununba  , y Moonha Ndiaye -- djabara, kenken .Mistemas favoritos son "Tiriba" y "Dununba"

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Recoveco - Bicho y Hecho  (Venezuela - Colombia-  tradicional- curedas 2001)


Recoveco, es de lo mejor  de la  Música Venezolana,  que he escuchado en este ultimo tiempo está conformado por cinco músicos oriundos de Colombia y Venezuela, presentan un amplio repertorio instrumental de música tradicional evolutiva tales como valses, joropos, bambucos, pasillos y danzas de estos dos países y también cooros brasileños para mostrar sus síncopas y sus frases tan características.
Este encuentro de itinerarios personales diferentes permite aliar el virtuosismo académico a la improvisación y la espontaneidad de la música popular dentro de una gran variedad de géneros musicales de América Latina y resaltar las particularidades de numerosos

instrumentos de cuerda de estas regiones.

Músicos:


Cristóbal Soto : Cuatro y Mandolín

Alexis Cárdenas : Violín

Nelson Gómez : Guitarrón

Francisco González : Guitarra

Rafaél Mejías : Percusión

Invitados:

Cheo Hurtado : Solo de Cuatro (track 10)

Alexander Livinalli : Percusión (track 04)

Lista de temas
01 - La Patrona (Cristóbal Soto)

02 - Don Noel (Nelson Gómez)

03 - Bambuquísimo (León Cardona)

04 - Naquele Tempo (Pixinguinha)

05 - Danza De Los Amantes Efímeros (Francisco González)

06 - Caribe (Joaquín Pérez)

07 - Suplicante (Rafael M. López)

08 - Patas D'Hilo (Luis A. Calvo)

09 - Lagunillas (Ricardo Mendoza)

10 - Capriccio Nº16 (Nicolo Paganini)

11 - Caramba (Otilio Galíndez)

12 - Pajarillo Con Moto y Acelerando (Brahms/Bach/Trad.)
 
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"Univisible" Medeski , Martin And Wood  (Jazz EEUU 1992)

 Realmente la primera vez que escuche este grupo alla por el 2001 me resulto muy interesante , la articulavion de un sinumero de expresiones sonoras propias de Neuva York , y de la cultura popular afroamericana de las ultimas decadas , es un trío estadounidense de jazz que está compuesto por el teclista-pianista John Medeski, el percusionista-baterista Billy Martin y el bajista Chris Wood. Pertenecen al jazz de vanguardia, su estilo es el de la fusión del jazz con el funk y soul. Su trabajo oscila entre la improvisación experimental y una música más accesible para el gran público, con la que ha llegado a cosechar cierta popularidad.
 Sus comienzos se remontan a 1991, cuando Bob Moses, productor neoyorquino independiente, los reunió por primera vez. A continuación hicieron una importante gira por el sur de los EE.UU., viajando en una vieja camioneta y presentándose en bares y universidades. Su particular estilo y su carácter de banda itinerante, les otorgaron el reconocimiento de los más jóvenes. En 1993 firmaron un contrato con el sello Gramavisión / Rykodisc por tres discos. En ese momento, se incorporó el sonido del órgano Hammond B3 que caracteriza a la banda. Su eclecticismo y capacidad instrumental individual les han llevado a colaborar con artistas tan dispares como John Scofield: "A Go-Go" o con Iggy Pop en "Avenue B". En 1998, firmaron contrato con el histórico sello discográfico Blue Note, con el que ya han editado siete álbumes lo que demuestra el prestigio alcanzado por la banda en la última década. Este disco es realmente muy bueno lo recomiendo de verdad.lik descraga:


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Willie Colón - El Baquiné de los Angelitos negros  (Puerto rico Salsa , afrocubano , jazz 1977)

El trombonista- cantante  , Puertoriqueño afincado en Nueva York , Willie Colón , a participado en un sin fin  de discos , qu abarcan los ultimos treinta y tantos años , Nacido en Nueva York,  en 1950  el Músico estadounidense de ascendencia puertorriqueña. Maestro del trombón y de la fusión de distintos ritmos caribeños, afroamericanos y de la música urbana, formó junto al vocalista Héctor Lavoe una de las parejas más relevantes en la música latina de los años setenta, y está considerado uno de los pioneros en el desarrollo del auténtico movimiento salsero a finales de los años sesenta y principios de los setenta.

Colón creció en el barrio latino del distrito del Bronx, un hecho que ha marcado gran parte de su trayectoria personal y artística, con lo que ello implica de rebeldía y trasgresión de las normas establecidas. Tras estudiar trompeta y clarinete, su admiración por Mon Rivera le llevó a decantarse por el trombón a los catorce años, y dos más tarde, en 1966, grabó su primer disco con el significativo título de El Malo.

Editado al año siguiente por la firma Fania, en este primer trabajo ya contó con la inconfundible voz de Héctor Lavoe e introdujo elementos del folklore musical puertorriqueño, en especial la bomba, mezclado con los ritmos hirientes y ásperos propios del trombón, de lo que fueron buenos ejemplos temas tan exitosos como Jazzy y I wish I had watermelon.
Junto a otros destacados músicos de origen caribeño como Ray Barretto, Bobby Valentín, Reynaldo Jorge o el propio Héctor Lavoe, participó en 1971 en la grabación del concierto de las Estrellas de Fania, considerado el evento que lanzó el movimiento de la salsa de Nueva York. Ese mismo año, su magistral interpretación del tema Piraña, compuesto por Tite Curet Alonso, le lanzó a la fama y le convirtió en uno de los iconos de dicho movimiento musical.








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Victor Jara (popular - folclore Chile 1974)


Sin duda uno de los mejores discos de Victor Jara , donde se impone la alegria y la cruda refleccion , conjuntamente  un compromiso con la realidad Chilena y latinoamericana incuestionable, mis temas favoritos son : La bala,Manifiesto, y Aqui me quedo ,  entre otros.


Manifiesto - Patricio Castillo, Victor Jara


2. Cuando Voy Al Trabajo

3. Pimiento

4. Vtos del Pueblo - Inti-Illimani, , Victor Jara

5. Aque Quedo

6. Cai Cai Vilngle A]

7. Doncella Encantada [Single B][Instrumental] - Patricio Castillo, Victor Jara

8. Bala [Single A]

9. Quindo Es Ser Voluntario [Single B]

10. Marcha de los Trabajadores de la ConstrucciSingle A]

11. Parando los Tijerales [Single B]

12. Arauco [Instrumental]

13. Oficina Abandonada [Instrumental]

14. Vientos del Pueblo [Instrumental]

15. Aqui Me Quedo

16. Arado
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Stevie wonder "Inervisions" (Soul, Pop , Funk , jazz) EEUU 1973
Este disco forma parte de la colección de grandes álbumes que lanzó durante la década de los '70 este multifacético músico afroamericano. Lanzado en 1973, un año después del megaclásico Talking Book,
"Innervisions" contiene una serie de temas que hablan de la desigualdad racial, el amor y Jesús. Living For the City es un ejemplo de lo que lograba Stevie Wonder en esa época, interpretando muchos de los instrumentos él mismo, a pesar de su incapacidad visual. En esta placa también se encuentra Higher Ground, canción que varios años más tarde versionaría Marcus Miller entre otros . Visions es una hermosa balada, con unas guitarras evocadoras y hasta la salsa y los ritmos latinos se cuelan en Don't You Worry 'bout a Thing, preparando el cierre del disco. Wonder, para grabar sus temas, solicitaba que colocaran en círculo los instrumentos en el estudio (teclados, baterías), por lo que él pasaba uno por uno tocándolos, sin considerar, además, que escribió, produjo y arregló todos los tracks... qué más se puede decir. El mismo Jeff Beck, en una entrevista a la revista Rolling Stone, calificó el trabajo que hacía por esos años Wonder. "En esa época, Stevie tenía una calidad de la reputísima madre". Mis temas preferidos son entre otros:Too High ,Higher Ground ,Living for the City.
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Berta Rojas -Juan Cancio Barreto "Guitarra Adentro"(Paraguay -  clasicos de folclore rural  paraguayo y comp propias 2003)


Este es un disco  me encanto ,  por su sabor y la calidez en las interpretaciones , en el participa "El requinto de oro"  como lo llaman en Paraguay ,a  Juan Cancio Barreto acompañado por una muy buena guitarrista Berta rojas una guitarrista formidable que participo en discos de ilustres guitarristas como el brasileño , Carlos Barbosa Lima entre otros su ultimo disco lo dedico totalmente a la obra de Agustin Barrios  , en este albun (Guitarra Adentro) se interpretan obras funadamentales y fundaciobnales de las  decadas doradas del 50 y 60  en la musica popular paraguaya , de compositores tales como,Herminio Gimenez , Oscar Cardozo Ocampo , o Enrique Coeffier entre otros mis temas preferidos son :Che Trompo Arazá de Herminio Gimenez ,Punteada Okára de Enrique Coeffier ,Caazapá de Agustín Barrios y Estación Paku Kua  deJuan Cancio Barreto .

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"Birth of the cool" Miles Davis  (COOL JAZZ 1949 EEUU)




Este disco lo escuche por primera vez cuando tenia 19 años y me fracturo el craneo, es una joya  ,es por eso que creo,  merecia  un lugar privilegiado en esta seccion , todo el albun  recoge una calides y un lirismo extasiante , acogedor , exquisito , desde mi perspectiva es uno de los discos de jazz mas intertesantes que escuche alguna vez . la banda es realmente un seleccionado  ,algunos de mis temas favoritos son : "Israel" de Johny Carisi,"Moon dreams" de Mac gregor-Mercer y Jeru de G. Mulligan.

Miles Davis- Trompeta Kai Winding  Trombón (temas 1,2,5 y 7) y J.J. Johnson (resto de temas)- Trombón. Junior Collins (temas 1,2,5 y 7), Sandy Siegelstein (temas 4, 8, 10 y 11) y Gunther Schuller-Trompa (temas 3, 6, 9 y 12) - . John Barber- Tuba. Lee Konitz- Saxo alto. Gerry Mulligan- Saxo soprano. Al Haig (temas 1,2,5 y 7) y John Lewis (temas 4,8, 10 y 11)- Piano. Joe Shulman bajo (temas 1,2,5, y 7), Nelson Boyd bajo  (temas 4,8,10 y 11) y Al McKibbon (temas 3,6,9 y 12)- Bajo. Max Roach (temas 1,2,3,5,6,7,9 y 12) y Kenny Clarke (resto de temas)- Batería. Kenny Hagood- Vocal (tema 12)

Referencias de la historia del disco:
"Birth of the cool se convirtió en una pieza de coleccionista, según creo, como reacción a la música de Diz y Bird". Así define el álbum el propio Miles en su autobiografía. Efectivamente, los músicos que pueden considerarse el verdadero germen de "Birth of the cool" - Gil Evans y Gerry Mulligan - buscaban desde hacía algún tiempo un sonido nuevo, mas suave y tranquilo que el ruidoso be-bop de Charlie Parker y Dizzy Gillespe; una música armónicamente mas compleja y rica en matices, en la línea de lo que venía haciendo la big band de Claude Thornill. Y allí estaba Miles, como siempre, en el lugar indicado, en el momento indicado y, haciendo uso de su indiscutible olfato musical, eligiendo las mejores compañías, músicos jóvenes y pletóricos de nuevas ideas. Y, como siempre, la simbiosis funciona porque el trompetista era una compañía deseada y conveniente para cualquier joven aspirante, porque Miles era ya un músico conocido y respetado gracias a la fama que había alcanzado durante su periodo junto a Bird. Porque Miles siempre supo cuando un movimiento musical estaba muerto y tocaba hacer las maletas y el bop, no cabe duda de que agonizaba junto a la mayor parte de su creadores. Y así, en tres distintas sesiones, entre Enero de 1949, y Marzo de 1.950 se graba, Birth Of The Cool, con un concepto musical sin duda original, tanto desde el punto de vista de la composición de la banda, con la inclusión de tuba y de trompa, de los temas incluidos en el álbum y de los arreglos, a cargo de Gil Evans y Mulligan, fundamentalmente. Este álbum supuso para Miles el punto de partida de una larga colaboración con Gil Evans, que sería el arreglista de sus álbumes Miles Ahead, Porgy and Bess, Sketches of Spain, el fallido Quiet Nights y la composición The Time of the Barracudas. La colaboración se extendería incluso al período eléctrico de la carrera del trompetista, anterior al registro de la seminal grabación Bitches Brew en 1.969.

El resultado es sorprendente y mucho mas debió resultar en su época. El sónido es cálido e innovador. Las composicones son tremendamente originales y refrescantes frente al claustrofóbico bop. La sonoridad de sus solistas se aleja de la extroversión y brillantez propia de los boppers. De hecho, según nos cuenta Miles, se buscó a Lee Konitz al saxo alto porque no sonaba como Bird, en lugar de a Sonny Stitt - eminentemente parkeriano - en el que se pensó inicialmente. El fraseo y el sonido de Miles también rompen amarras con el bop mostrándose sereno, introspectivo, sin aspiraciones atléticas, con un especial cuidado de la textura y calidad del sonido de su trompeta aterciopelado y sorprendemente expresivo.

Buena parte de los temas de Birth of the Cool se convirtieron en clásicos del jazz moderno gracias a este registro y han sido frecuentemente interpretados por otros músicos. Composiciones como "Budo" de Bud Powell, "Jeru", "Move" del batería Denzil Best o "Israel" un blues menor, compuesto por John Carisi y de la que el pianista Bill Evans nos ofrecería, una década después, una versión definitiva con su trío, junto al bajista Scott LaFaro. De la totalidad del repertorio tres temas eran de la pluma de Gerry Mulligan: "Jeru", "Venus de Milo" y "Rocker". Davis aportó el tema "Boplicity", compuesto junto a Gil Evans y la melancólica "Deception". El solo de trompeta de Davis en este tema, resulta paradigmático de su nueva concepción musical: emotividad y expresión, pero contenida bajo una suerte de timidez cautivadora. Otros temas de la sesión fueron "Rouge" de John Lewis o "Godchild" del pianista George Wallington. Se interpretan asimismo dos standards: "Moon Dreams" y "Darn that Dream", con la participación en esta última del cantante Kenny Haggod con su, hoy anticuada, voz engolada.

La edición de Capitol, The Complete Birth of the Cool, suma al álbum original registrado en estudio, una serie de grabaciones de escasa calidad técnica, pero de relativa importancia histórica, efectuadas meses antes de la grabación de estudio, en el club neoyorkino Royal Roost, con una banda de similar concepción musical pero con algunas, poco relevantes, diferencias en su composición.
La banda no se volvería reunir y cada uno de sus músicos seguirían sus carreras por separado pero una nueva era musical había comenzado y el resto... ya es historia
Fuente: Biografias del Jazz en apolo y baco.com
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Léman: Blick Bassy(Camerún , musica Camerunesa tradicional Bassa , Bossa, jazz 2009)

Blick Bassy es la una de las figuras de la nueva era de la música africana. Autor, compositor e intérprete de Camerún, haciendo prevalecer sonidos acústicos, mezcla de influencias tradicionales de su natal Camerún con músicas negras y latinas actuales, inicia su carrera de éxitos como parte de la agrupación Macase, con la que graba los discos Etam en 1999 y Doulou en 2003, obteniendo varios premios de talla internacional, incluyendo el de RFI para músicas del mundo en 2001.

Conmovedora y sutil, armoniosa a lo largo de los ritmos ondulantes que evocan los ecos de ofertas similares de otros músicos como su compatriota Richard Bona, Lokua Kanza, de la República Democrática del Congo, y Daby Touré, de Mauritania, la música de Blick Bassy mezcla su propia cultura tradicional Bassa con influencias que reflejan su pasión por el jazz y la bossa nova.

Léman, grabado en el estudio de Salif Keita en Bamako en 2009, refleja su amor por los encuentros musicales. Las mezclas modernas se integran sin esfuerzo con la tradicional y la música envuelve sus canciones reflexivas como una capa suave, a la medida de su lengua Bassa que es el idioma en el que elige presentar sus temas. Con la participación de la kora, el kamele n´goni y la flauta peul, Léman establece vínculos inesperados entre territorios geográficamente distantes, como Brasil o Camerún y Malí y el pueblo de sus abuelos, dando como resultado un sonido original, refinado y encantador.
En definitiva, la música de Blick Bassy constituyen un reflejo de sus viajes y de sus encuentros: melodías nómadas que salen de África para recorrer el mundo.

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Rabih Abou-Khalil - TARAB [Líbano , Arabe jazz fusion]

 la verdad este disco me impacto  , les recomiendoa algunos temas como: Bushman on the desert o Arabian waltz entre otros muy lindo albun , les dejo una reseña del disco , escrita por el critico Por Harris Craig.
Las tradiciones musicales del mundo árabe se funden con la improvisación de jazz y técnicas clásicas europeas por el intérprete de oud y compositor de origen libanés Rabih Abou-Khalil. El CMJ New Music Report señaló que Abou-Khalil "ha tratado siempre de crear una base común entre el mundo de la música árabe, la de sus raíces, y el mundo musical más global de hoy". Down Beat elogió la música de Abou-Khalil como "un híbrido único que con éxito se extiende por el mundo de la música tradicional árabe y el jazz." A pesar de que muy joven aprendió a tocar el oud –un laúd libanés sin trastes–, Abou-Khalil se pasará temporalmente a la flauta clásica, que estudió en la Academia de Música después de mudarse a Múnich, Alemania, durante la guerra civil libanesa en 1978 . En un intento de explorar nuevas formas de tocar la música árabe, regresó al oud y comenzó a incorporar, más a menudo, las técnicas interpretadas por la guitarra de jazz. A principios de los años 90, Abou-Khalil fue comisionado por la radio del suroeste de Alemania a escribir dos piezas que se estrenaron en una actuación con el Cuarteto Kronos String Jazz en la Cumbre de Stuttgart en 1992, y grabadas con el Cuarteto Belanescu cuatro años después. Abou-Khalil ha trabajado con una mezcla de músicos árabes, indios y músicos estadounidenses de jazz, incluyendo el saxofonista Sonny Fortune, el ejecutante de frame drum y percusionista Glen Valez, el conguero Milton Cardona, el experto en armónica Howard Levy y los bajistas Glen Moore y Steve Golondrina.


Por Harris Craig, All Music Guide
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Guinga "Dialetto Carioca (2007 Brasil  aires folcloricos  cariocas, jazz )




.

Este es un disco muy bonito , nos expone  a  , las intensas soinoridades cariocas , mis temas favoritos son comendador alburquerque, Mingus Samba , entre otros , muy interesante ademas el abordaje de la guitarra de  Guinga Carlos Althier de Souza Lemos Escobar.
Músicos:

Paulo Sergio Santos: clarinete
Jorginho do Trompete: trompeta
Lula Galvao: guitarra
Guinga Carlos Althier de Souza Lemos Escobar: guitarra, voz
con
Gabriele Mirabassi: clarinete


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Alpha Yaya Diallo - The Message (Guinea,1999)






.Está claro que ya tocaba... hace un montón de tiempo que no pongo nada y me siento obligado, sí, me siento obligado por la gran cantidad (y calidad) de material que he recogido de estas aguas y porque también quiero contribuir.

Cada vez es más díficil encontrar algo que ya no figure en la grandiosa colección del blog y que además no esté entre los blogs amigos. Un ladrillo más en el Empire State, o mejor en las Torres Kio o en la Agbar, por aquello de hacer patria, sólo añade unos centímetros al edificio, imperceptibles desde cualquier lugar pero muy importantes para el insecto que monta allí su casa... y para entrar en el Guiness, si es menester.

En fin, con este trasfondo existencial, me he puesto a buscar algo entre mi colección para compartir con vosotros y me he acordado de Alpha Yaya Diallo, un fantástico guitarrista guineano con sonido "world music" total, perfectamente adaptado para nuestras blancas orejas, muy similar a Youssou N'Dour o Baaba Maal (esto lo he copiado de las reseñas que he buscado para el post, y que van unas línes más abajo) y tantos otros grandes intérpretes de la música africana digeridos (en plan papeo, ná que ver con el instrumento australiano...) por la mercadotecnia musical occidental.
Lo cierto es que Alpha Diallo se deja oir con mucha facilidad y además es un fabuloso guitarrista y cantante, y el disco, del año 1999, se merece mejor suerte que (seguro) la que ha tenido.
He buscado un par de reseñas en castellano sobre Alpha  dado que solo conosco este disco y por lo tanto la data que tyenia era muy vieja  es cun guitarriata que me impacto mucho por su simplicidad  pa abordar ritmicas tan complejas  :

Pertenece a una generación de nuevos músicos africanos nacidos fuera de la casta de los jalis. Nacido en Guinea-Conakry, Diallo, desde muy pequeño, lleva en su guitarra los sonidos tradicionales de su pueblo. A los once años, su madre le regaló una guitarra la cual aprendió a tocar mientras acompañaba a su padre, un médico que se desplazaba por todo el país. Este hecho le permitió conocer el makenke, el souso y la foula, las lenguas de las principales etnias de Guinea.

Mientras estudiaba en la universidad, fue líder del grupo "Sons of Rais", con quienes recorrió toda el África Occidental. Al concluir sus estudios, Diallo alternó actuaciones con algunos grupos locales como Love System, Kaloum Star, Bembeya Jazz y Sorsornet Rhythm.

Estando en Europa, fue invitado a sumarse a los pan-africanos de Fatala. Con ellos actuó en los principales festivales del viejo mundo. Cuando cruzó el continente, tras haber participado en varios festivales de folk y de jazz, Diallo se enamoró de Canadá, al punto que fijó su lugar de residencia en la ciudad de Vancouver. En este país alterna su carrera solista con la agrupación multi-cultural Bafing, creada por él mismo.

En la música de Alpha Yaya Diallo se reflejan los sonidos clásicos de sus antepasados, pero sin dejar de lado la evolución y las fusiones que se han ido dando en la música africana: los ritmos cubanos que retornaron al África Occidental, los sonidos caboverdianos que Diallo escuchaba de pequeño y la influencia musical del país norteamericano en donde vive.

Sus canciones hablan de la situación sociopolítica de su país, de su condición de emigrado, de viajes y de aventuras.

(fuente:http://www.estaciontierra.com/)
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Gustavo (Cuchi) Leguizamón "En vivo 1983 Rosario" - Banda sonora original La Redada (Folclore  Noroeste Argentino  1983 en vivo)


Para quienes no conoscan a Gustavo Legizamon , solamente cabe señalar que sin temor a wqivoicarnos podriamos decir que , es uno de los mas lucidos compositores de musica popuular Argentina del siglo XX , y ademas un fabuloso pianista . este disco me parecio muy interesante dado que aborda una faceta no tan conocida , por nosotros , como musicalizador de films . aqui debo decir no tengo temas favoritos todos son exelentes , sean los temas de la pelicula  o sus composiciones ya clasicas ademas un hombre con una sabiduria eterna  , sus palabras siempre actuan como disparadores intelectuales y musicales  y dueño de un agudo sentido del humor  , este artista amerita una  muy breve  reseña biografica .
Nació en Salta el 29 de septiembre de 1917,

Su nacimiento ocurrió a las 11:05 de la mañana. El destacaba que en una oportunidad se hizo hacer un horóscopo, pero le dió rabia que mintiera menos que él e inmediatamente se puso a agregarle un montón de mentiras más. "desde entonces tengo una carta astral que yo mismo hice y es lo que podía decirse un autohoróscopo", recordaba.
Está casado en primeras nupcias con Ema O. Palermo. Como el Cuchi sufría de estrabismo, cuenta Miguel Angel Pérez que cuando el músico estaba de novio con Ema, se hizo operar en Buenos Aires. "Cuándo supimos que estaba mejorando, entre los amigos le hicimos un telegrama escueto que simplemente decía: ‘Cásate y verás...’"
Tiene cuatro hijos varones: Juan Martín, nacido el 24 de octubre de 1961; José María nacido el 5 de julio de 1963; Delfín nacido el 26 de septiembre de 1965 y Luis Gonzalo, nacido el 19 de septiembre de 1967.

De acuerdo a antecedentes registrados en la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC) ingresó a la entidad el 10 de diciembre de 1954, como socio número 9891.

En 1965 obtuvo el Primer Premio del Festival Latinoamericano de Salta con "La zamba soltera".

En 1973 ganó el Gran Premio SADAIC en el género música nativa.
En 1980 ganó el Primer Premio en la Cantata Cafayateña, Salta.

En 1986 obtuvo el Primer Premio en el Festival de Cosquín, Córdoba, con la zamba Bajo el azote del sol, con letra de Antonio Nella Castro.

El 7 de noviembre de 1988 la Universidad Nacional de Tucumán le otorgó el Reconocimiento al Mérito Artístico-Creativo (Producción Folklórica).

El 16 de junio de 1989 el Gobierno de la Provincia de Salta le otorga el Reconocimiento al Mérito Artístico previsto en la Ley 6.475.

El 15 de octubre de 1999 el diario Clarín en la serie del suplemento de Espectáculos "El siglo que se va, el milenio que viene" incluye como la figura destacada del siglo en el folklore argentino al Cuchi.
Abogado de profesión, ex Fiscal de Estado de la Provincia de Salta por méritos propios, diputado nacional por avatares de la política y, fundamentalmente, creativo y músico de alma.
Ancestros familiares
Proviene de un apellido tradicional y de estirpe, cuyos antepasados instalaron en 1806 un comercio en pleno centro salteño. Los Leguizamón que siguieron también continuaron con suerte dispar en el rubro comercial.
Pariente de los Arias Rengel y de don José María Todd. Este último, que fue gobernador de Salta en 1860, era hijo de doña Tomasa Toledo y Pimentel, quien a su vez era sobrina nieta del Virrey del Perú.

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Mario lucio (Cabo Verde, afrobeat)


Mario Lucio "Badyo"/ Cabo Verde , afrobeat , 2007)
Disculpen la reseña esta no la arme yo y esta mal traducida del ingles ;
La mayoría de los fans de música de Cabo Verde se sabe que los tesoros musicales de este archipiélago secas, barridas por el viento del Atlántico no se limitan a las mornas suave y coladeiras balanceo de Cesaria Evora. En los últimos años, varios artistas más jóvenes han defendido el más rítmico, con la cara de sus raíces africanas. Pero el grupo que realmente inició este proceso se Simentera - una idea original de Mario Lucio, que también era su compositor principal. Después de su obra maestra Tr'adictional (2003), cantantes Tété Alhinho y Araújo Terezinha lanzado sus carreras en solitario, junto con Mário Lúcio
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http://www.mediafire.com/?fjzufqnxjbk

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Guayacán " Musica guatemalteca y de America latina "(Guatemala recopilacion  muisca folclorica de america latina 1997)

Guayacán es un grupo desaparecido de Guatemala (1976-1997). Grabó un disco sencillo (45 rpm) con dos temas en 1979 y dos cassettes (no habían CDs), uno en 1983 y otro en 1992. Todo esto se digitalizó más tarde, pero nunca se comercializó.


Guayacán se dedicó todos esos años a difundir música tradicional de América Latina, pero especialmente de Guatemala. Esto se ve reflejado en las grabaciones: la mayoría de temas son guatemaltecos. Es importante destacar que siempre utilizaron los instrumentos originales de cada región.

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Putumayo "A Putumayo World Christmas "(  compilado deCanciones navideñas 2000 EEUU)


 Por lo lo general las compilaciones suelen decepcionar  , sin embargo, estav es una exepcion , ( desde ya debo aclarar que no creo en la denominacion , etiqueta  de world music ) que esconde resavios de aspectos perversos del enfoque colonialista. "A Putumayo World Christmas del grupo "  este disco rescata  las canciones  que vienen de todas partes del mundo - desde Noruega a Hawaii, con un componente fuerte de América. Las canciones van desde villancicos estándar dado diferentes interpretaciones de las canciones tradicionales de otras culturas, pero nuevo para mí.Putumayo World Music es un sello de la ciudad de Nueva York registro basado, ahora se especializa en las compilaciones de música de distintas naciones, regiones o estilos musicales que pueden ser clasificados como músicas del mundo. Cada versión tiene como característica distintiva el arte de Nicola Heindl. El sello fue creado en 1993 y creció fuera de la compañía de ropa Putumayo, fundada por Dan Storper en 1975 y vendido en 1997. El nombre de la empresa proviene del río Putumayo, que delimita la frontera entre Perú y Colombia.


La división Putumayo Kids fue creada en 2002. Desde el lanzamiento de CD World Playground en 1999, Putumayo Kids ha logrado honores de Parents 'Choice Awards y la Asociación Nacional de Padres de Publicaciones, y se ha convertido en uno de los sellos discográficos más importantes de los niños.

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 Manolo Juárez - "El que nunca se va " (Musica popular Argentina 1987)

Un brillante disco de un extraordinario pianista, este disco me volo la cabeza  cuando lo es cuchepor los " 90 "lo recomiendo ampliamente , en el mismo se rescata lo mejor de las expresiones sonras de Argentina .

Ahora les dejo una referencia biografica :Publicado por Diego O'Rei


Manolo Juárez nació en Córdoba, Argentina el 22 de abril 1937. Por su producción artística en género popular, y en la música sinfónica y de cámara con obras para ballet y teatro ha destacado internacionalmente. Desde que abordó el folklore, ha trabajado en innovar en la estructura y en la armónía. Este trabajo le ha valido el Premio Nacional de Música por su labor en la expresión folklórica en 1995.

El que nunca se va, el disco que publicamos hoy aquí, fue grabado en 1987 y reeditado en 1993, en un mismo CD, junto a Dialectos de Eduardo Lagos.

A continuación, reproduzco extractos de una entrevista publicada en 1979 en la revista Rocksuperstar.
"Hago música —en lo que se refiere al piano— desde que tengo 10 u 11 años. Y compongo desde los 14 o 15 años. De los dos géneros que abarca mi personalidad musical —folklore y música clásica— me he dedicado más a este último, componiendo especialmente música sinfónica y de cámara. Fíjate que no te digo música popular y música seria, porque esta categorización ha sido un invento más bien argentino para minorizar a la música popular. A nadie han hecho reír músicos como Charlie Parker, Mc Laughlin, Lennon. Y muchas obras de música clásica a veces dan risa. A los 17 años saqué un premio internacional de composición, en Italia. Pero como te digo, el grueso de mi actividad está dedicado a la música clásica. . ."
"Yo creo que lo que vale es hacer lo que uno tiene ganas. Por lo tanto me propuse hacer el folklore que a mí me gustaba. Y yo quería hacer algo distinto. Y sé que lo que es distinto atenta contra un sistema ya organizado de darle a la gente el alimento predigerido. Bueno, yo quiero que la gente aprenda a masticar de nuevo. Desgraciadamente no tengo tiempo como para hacerme la promoción. Y aparte, mucha gente no me da bolilla. Dicen que me hago el exquisito, el extraño, porque me gusta tocar solamente en los lugares donde me siento cómodo. Si el lugar donde voy no tiene un cierto nivel de seriedad, no voy. A la televisión me han invitado a ir algunas veces. Pero para ir a programas donde el folklore que se hace tiene muy bajo nivel, donde todavía se dividen en unitarios y federales y cantan el folklore como si fuera la historia de Grosso, no voy. . "

"El ritmo es uno de los fenómenos más particulares: está demarcado geográficamente. El tipo que toca bien una chacarera no toca bien un candombe. Vos habrás visto que cuando un Corea o un Hancock necesitan un ritmo latino no llaman a un yanqui para que lo haga. Buscan un tipo originario de la región donde se produce ese ritmo. Yo quiero hacer lo que hicieron Bartok, De Falla o Gershwin, que más allá de sus melodías localistas han hecho un gran manejo del ritmo. Es por eso que tomo el ritmo, pero no me ato a la coreografía castrante del folklore que tiene una primera y segunda. Te imaginas, como decía el Mono Villegas, tocar una melodía sin letra las dos veces igual? Es aburridísimo"

"Todas las zambas duran 3 minutos y medio. Pero para mí el hecho de componer y tocar es como un acto amatorio, afectivo. Y yo nunca le hice el amor a una mujer mirando el reloj. Yo voy a tocar una zamba que si quiero durará 30 segundos o una hora. No creo en eso de hacer zambas con reloj de taximetrero. En todas las grandes expresiones de la música popular el parámetro de tiempo está manejado por la expresión, por la creación del instante"

"Trabajo para que las cosas cambien. En eso sigo fielmente lo que decía mi padre, que fue escultor. El decía: "Todas las cosas que no dejen huellas digitales en el futuro, desconfíales". Creo que somos una generación de paso. En este momento nosotros, como dice el Cuchi Leguizamón, estamos haciendo una música detergente, para quitarle a la gente la mugre que los disc-jockeys ponen en sus orejas. Atrás nuestro hay gente que viene pisando fuerte. La obligación de ellos es pisar lo que nosotros hacemos. Me sentiría muy bien si eso pasara..."
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John Coltrane "A Love Supreme " Deluxe Edition- (1965/2002 EEUU Free Jazz)



Este disco se ha convertido en una  grabacion paradigmatica , que siguiendo los pasos de otros como    el saxofonista  Ornette Coleman  , el pianista Cecil Taylor, o el saxofonista  Eric Dolphy y Don Cherry entre otros , en este hermoso disco , el baterista Elvin jones , el pianista Mc Tyner , y el Contrabajista Jimi Grrison , el ensamble es formidable con una conexion muy intensa cargada de un misticismo , propio de un estado de Nirvana , intentare dar un marco de referencia ,  minimo , que nos posibilite abordar  este tipo de produccion sonora , entedida como fenomeno historico, en la decada del 60 een los EE.UU

Ese desarrollo musical se produce paralelamente a la adquisición, por parte de los músicos negros, de una conciencia social, que les hace comprender que su música puede ser un medio de lucha en el llamado movimiento por los derechos civiles. Esta rápida radicalización ideológica les llevará tanto a asumir planteamientos cercanos al Black Power[1] o a posiciones religiosas islamizantes (conversión al islamismo, adopción de nombres árabes, etc), como, incluso, a actuaciones políticas más radicales, de apoyo económico a los Black Panthers.[2]

Esta politización se plasmó tanto en la inspiración de la propia música (por ejemplo, ¡New Wiew!, de John Handy, sobre James Meredith, o Malcolm de Archie Shepp, en referencia a Malcolm X), como en la creación de asociaciones como la AACM de Chicago o en la propia ideología de músicos como Mingus,[3] que utilizaban la coming black revolution (la inminente revolución negra), incluso como recurso en sus relaciones profesionales.[4] De hecho, los músicos del free jazz se plantearon con frecuencia su posición como una respuesta al establishment racista:[5] «Frente al mismo, la única salida de los músicos negros es unirse y responder a la discriminación con la discriminación; organizarse y excluir a los blancos de sus grupos y circuitos».[6] Como indican expresamente Carles, Comolli y Clergeat, «ninguna otra forma artística en la historia (y no solamente en la de la música) ha encarnado, realizado, realzado con una tal intensidad sus apuestas en el ámbito económico, social, político…».[7]

Indice de citas
1.- Leroi JONES: Música negra. Madrid: Júcar, 1986.


2. -Miguel SÁEZ: Jazz de hoy, de ahora (pág. 79). Madrid: Siglo XXI, 1976.

3. -Charles MINGUS y Nel King: Beneath the underdog. Nueva York: Alfred A. CNPF, 1971.

4.- Don DeMICHAEL: Better git in your soul /liner-notes. Columbia, S-66290

5. -Henry PLEASANTS: Serious music… and all that jazz. Nueva York: Simon & Schuster, 1969

6. -Miguel SÁEZ: Jazz de hoy, de ahora (pág. 82). Madrid: Siglo XXI, 1976.

7.- a b Phillipe CARLÉS, André CLERGEAT y Jean-Louis COMOLLÍ: Dictionaire du jazz (pág. 349). París: Robert Laffont, 1988, ISBN 2-221-04516-5

8-. Phillipe CARLÉS, André CLERGEAT y Jean-Louis COMOLLÍ: Dictionaire du jazz (pág. 348). París: Robert Laffont, 1988, ISBN 2-221-04516-5

Aquí les presentamos un nuevo “viejo” álbum. pero con una novedad, es la “Edición de Lujo”

del fantástico “A Love Supreme” de John Coltrane .

Esta es la última edición de 2002. Ahora en doble cd. Trae el disco edición original, sonido remasterizado,

más un nuevo cd con las tomas alternativas. Creo ya nada se puede agregar al comentario de la

nota original, ya hecha aquí, con anterioridad.

Creo, me parece, a mi sentir, es éste uno de los discos más intensos de la música de jazz del siglo pasado.

Ya su versión original en vinilo, apenas unos 40 minutos de duración, ya eran suficientes para conmovernos

de modo profundo y único …

Ahora en su edición remasterizada, y esta nueva edición de lujo, trae 110 minutos de música. Demoledor!

Es terriblemente conmovedor. Los agotara anímica y físicamente semejante escuchatta. La intensidad de

Coltrane se repite en cada toma.De veras un artista único. Es un álbum harto difícil de escuchar, pero

al mismo tiempo apasionadamente bello. Atrévanse a escucharlo! pero también prepárense para sentirse

abrumados, sorprendidos, conmocionados, tal vez compungidos y sobre todo: felices!.. todo junto

al mismo tiempo.

Tracks:

Disc 1

A Love Supreme Part I: Acknowledgement

A Love Supreme Part II - Resolution

A Love Supreme, Part III: Pursuance

A Love Supreme, Part IV-Psalm

Disc 2

Introduction by André Francis

A Love Supreme, Part 1: Acknowledgement

A Love Supreme, Part 2: Resolution

A Love Supreme, Part 3: Pursuance

A Love Supreme, Part 4: Psalm

A Love Supreme, Part II-Resolution

A Love Supreme, Part 2: Resolution

A Love Supreme, Part 1: Acknowledgement

A Love Supreme, Part 1: Acknowledgement[/quote]

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sino lo encuentran  en este link  prueben aca:

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parte 2
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"Tiempos" Ruben Blades Y Editus (1999 Panama musica popular latinoamericana , clasica celta , flamenco etc )
La última parte de la discografía de Rubén Blades refleja a un cantante más maduro y con la capacidad de experimentar nuevas fusiones y nuevos géneros. Los discos Tiempos y Mundo, co-producidos con el trío costarricense Editus, si bien se alejaron de la salsa, fueron premiados por su calidad interpretativa desde mi punto de vista los mejores discos de Blades , brillantes ambos .




DESCARGA
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Parte 2 http://www.megaupload.com/?d=0IP0TY49

Guillermo Klein " Filtros" (Argentina 2008 jazz)

 Personalmente hace poco tiempo que , escuche erste disco gracias a la data que me paso un batero amigo pero realmente me sorprendio , Guillermo Klein es un pianista y compositor argentino reconocido mundialmente. Este disco cuenta con la participación de músicos de renombre, como el saxofonista/flautista Miguel Zenón, el saxofonista Chris Cheek, trompetistaTaylor Haskins, trombonista Sandro Tomasi, percusionista y trompetista Richard Nant, baterista Jeff Ballard, Bill McHenry al saxo, Diego Urcola en la trompeta y trombón, el bajista Fernando Huergo, Ben Monder a cargo de la guitarra. Carme Canela es invitada a compartir su voz en "Amor Profundo".

El nombre de este disco refiere al recurso rítmico creado por Guillermo que se puede oír en temas como "Miúla" o "Luz de liz", que provoca una ilusión de un rallentando, conservando el tempo estable . mis 2 tewmas favoritos son  "Memes" y 2Luz de Liz" recomiendo tambien el disco homenaje al Cuchi Leguizamon .
 
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Eumir Deodato - Samba Nova Concepção (1964)





Este disco sinceramente es brillante , creo un muy buen album , con seleccionado de musicos , mis temas favoritos son: "Adriana" (Roberto Menescal-Luis Fernando Freire) " Estamos ai" (Durval Ferreira-Mauricio Einhorn) , "Carnaval triste" (Sergio Carvalho-Paulo Bruce). un ensamble muy firme y afiatado , ideal para los amantes del Samba  carioca .


Musicos que participaron en el disco :


Luiz Mariño: contrabajo

Wilson Das Neves: bateria

Jorge Arena: congas

Humberto Carin: güiro

Rubens Bassini: percusion

Neco Daudeth De Azevedo: guitarra acustica

Jorginho Jorge Ferreira Da Silva: flauta, saxo alto

Emilio Baptista: saxo alto

Euclides J. Conceição: saxo alto

Pedro Luiz De Assis: saxo alto

Zé Bodega Jose Araujo: Saxo tenor

Alberto Gonçalves: saxo baritono

Adhersal Moreira: saxo baritono

Clelio Ribeiro: trompeta

Tenorio Jr.: piano

Eumir Deodato: piano, arreglos, direccion


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 Quilapayún - 1968 - Canciones Folklóricas de America (con Victor Jara)


Un disco formidable , que recorre un repeertorio de canciones clasicas de la musica popular latinoamericana , desde ya todos conocemos , todos podemos olfatear la autenticidad en la interprteacion de Jara ,sumado a un clasico Quilapayun ung rupo musical chileno, uno de los más representativos de la llamada Nueva Canción Chilena. La formación fue creada a finales de 1965 por un grupo de jóvenes inspirados en la música altiplánica, motivados por el profundo cambio y los sueños por los que se luchaba en aquel momento. Participaron en su fundación tres estudiantes de la Universidad Técnica del Estado: Eduardo Carrasco, Julio Carrasco, y Julio Nehumhauser, a los que se sumó después Patricio Castillo. A lo largo varias décadas de vida artística, Quilapayún editó más de 25 discos.


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Esperanza Spaldindig Junjo( EEUU Jazz 2006)

Con tan solo veintiún primaverales años, Esperanza Spalding, contrabajista, cantante y compositora, pertenece a esa camada de artistas que se les huele el talento. Se ha presentado en festivales y conciertos en diferentes partes del mundo, con comentarios sobresalientes de parte de los más afamados músicos y críticos musicales de todo el orbe.

Natural de Boston, esta artista norteamericana, de origen mexicano por parte de la madre, emprende su carrera musical desde muy pequeña (seis años) tocando el violín influenciada por la madre, pero fue uno de sus profesores, de aquellos tutores que nunca quedan en el olvido, el que intuyo lo que podría explorar la niña de aquel entonces con el contrabajo. Y acertó.

Curiosamente, Spalding fue descubierta por el pianista y productor musical Pablo Valero, quien pertenece al sello español Ayva Música. Sello que la acoge en la actualidad.

Junjo (2006), es el primer logro de esta excelente contrabajista. Nueve temas de las mejores melodías actuales del jazz, son los que dibujan el viaje musical, un repertorio fascinante. Adapta con suntuosas versiones, canciones de artistas como Chick Korea ("Hampty Dumpty" y Egberto Gismonti ("Loro", y en lo restante –que es la gran mayoría- Spalding compone y realiza arreglos como si se tratara de una artista veterana. Elogio aparte es el buen acompasamiento entre el contrabajo y el canto/susurro de su voz, donde lo realiza de forma impecable. Un talento que sorprende.
En este transitar sonoro, Spalding es escoltada por dos reconocidos músicos cubanos: El pianista Aruán Ortiz y el baterista Francisco Mela. Junjo es el aroma, Esperanza la flor. El jazz tiene nueva amante.

FUENTE BIOGRAFICA: MODOBAJO.COM
LINK DESCRAGA
http://lix.in/70d76f
Banda tepehuani– Canto y música de El Salvador ( el salvador floclore1983)


 Realmente  este disco me parecio muy interesante ,  la Banda Tepehuani (quinteto salvadoreño formado por músicos de escuela a fines de los ‘70) lamentablemente  hay muy poco material  grabado.
Y sin embargo se trata de un conjunto alque muchos autores (la gente de Mundo Andino, por ejemplo) han seguidocon entusiamo. Este tipo de agrupaciones al igual que , Yolocamba I ta, Cutumay Camones y Los Torogoces de Morazán, se consolidaron como expresión de lo que fue la música que acompañó a la guerrilla del FMLN en El Salvador.
Indudablemente, fueron de los grupos de música popular que se desempeñaban en las zonas bajo control de la guerrilla. Y se recuerda también las ocasiones en que bajaban a los poblados para dejar su mensaje junto al pueblo salvadoreño.
Dice actualmente la COFEVI, organismo de ese país, recordando la primera conferencia de paz de 1984 en La Palma, Chalatenango: “En La Palma se abrió el corazón del pueblo hacia la paz y centenares de personas organizaron caravanas para conocer el rostro de la revolución, para escuchar a la Banda Tepehuani, así como hoy vamos a escuchar al conjunto cubano Moncada, y conocer a los de la Radio Venceremos; la gente quería tocar el rostro de esos muchachos y muchachas que bajaban de las montañas con sus fusiles victoriosos…
Porque la guerrilla venía al dialogo en pie de igualdad; no venían derrotados, era un ejercito victorioso que mostraba con orgullo sus fusiles arrebatados al enemigo; en sus sonrisas se reflejaba la confianza en el triunfo popular y su compromiso de construir un nuevo El Salvador ……..”
.
Comenta también el periodista Iván González, hablando de las experiencias durante el conflicto de grupos de “proyección folclórica” y social, que uno de los ejemplos era la Banda Tepehuani, que tenía la costumbre de empezar con canciones folclóricas y luego arrancar con temas sociales.
Pero también se los pudo ver haciendo música y en colaboración con otros músicos, lo que dará mayor idea de su nivel. Realizaron varias giras internacionales y europeas durante todos los ‘80, algunas acompañados por el nicaragüense Luis Enrique Mejía Godoy y colaboraron con Yolocamba I ta en 1980 para la grabación de la Misa Popular Salvadoreña.
Este cassette fue editado en Buenos Aires, por Rafael Cedeño Editor, con la errata en tapa de que falta la “h” en el nombre de la Banda.
link de descarga :

http://rapidshare.com/#!download|852|370915193|BANDA_TEPEHUANI.rar|49774

Miguel Zenon "Looking Forward " ( Puerto Rico , EEUU latin jazz 2002)
 Este disco es realmente sorprendente , Miguel Zenon nació en Puerto Rico. Inició su formación musical en la escuela de Música de Berklee y posteriormente en la escuela de Música de Manhattan. Ha grabado y compartido escenario con músicos tan diversos como David Sáchez, Danilo Pérez, The Village Vanguard Orchestra, Teh Mingus Big Band, Charlie Haden, Branford Marsalis y Ed Simon. Su primer trabajo discográfico fue elegido por el "The New York Times" y la revista "TomaJazz Magazine" como uno de los diez discos de jazz más importantes en el año 2002; y el segundo fue editado en 2004 por el sello discográfico de Branford Marsalis. En 2004 "Downbeat Magazine Critics Poll" le otorgó el "Alto Saxophone Deserving Wider Recognition" ademas recomienso el disco esta plena del 2009.

muy interesante los musicos que participan :

Miguel Zenon (alto sax)


Antonio Sánchez (drums, b.vocals)

Luis Perdomo (piano, b.vocals)

Hans Glawischnig (bass, b.vocals)

Pernell Saturnino (b.vocals, percussion)

David Sanchez (tenor sax)

Ben Monder (guitar)

William Cepeda (vocals,percussion)

Diego Urcola (trumpet)

Pass = Luiggi

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http://rapidshare.com/files/329492395/Miguel_Zen_n_-_Looking_Forward__2001__Luiggi.part1.rar.html

Straijer Hurtadao (Argentina , rock, folkclore, jazz, avant garde )

La música del dúo es una refinada fusión de rock, folkclore, jazz, avant garde, improvisación y música concreta. Amplio conocedor de los ritmos folkclóricos latinoamericanos, el percusionista Horacio Straijer es integrante del grupo del Maestro Ariel Ramirez. Junto a Mono Hurtado ha publicado el CD Marimba y contrabajo a  traves del sello britanico SLAM Records, en 1995. Mis temas favoritos son "Leguero" y "Some day my prince will come " o "Pueblo sin nombre" recomiendo desde ya ampliamente este disco.

Lista de temas

1.Desde abajo/Right from below (Hurtado)

2.Leguero (Straijer)

3.So what (Miles Davis)

4.Some day my prince will come (Churchill Morey)

5.T.M. (to Thelonius Monk) (Hurtado)

6.Pueblo sin nombre/A town without name (Staijer-Hurtado)

7.Vuelta de Rocha/Rocha´s turn (Straijer)

8.Little Hay Road (Straijer)

9. Un salto al vacío/Aleap into the abyss (Hurtado)

10.Paseante/Passerby (Staijer-Hurtado)

11.Orilla del cielo/Skyside (Haslam)

Personal
Horacio Straijer: marimba,percussion y drums

Horacio "mono" Hurtado: double bass, keyboard

Quique Sinesi: guitar tema 1 y 7

Eduardo Avila: charango tema 8

Fernando Barragan: sikus, rondadores tema 9

George Haslam: baritone saxophone tema 11
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Nicomedes Santa Cruz "Ritmos Negros Del Peru"
Este disco recoge de alguna manera parte de lo mas excelso de las tradiciones del Peru Negro  y se ha convertido en un clasico de la musica Afroperuana .
Poeta por vocación, folklorista por tradición y periodista de profesión, desde finales de los años cincuenta Nicomedes Santa Cruz Gamarra (1925-1992) también se desempeñó como realizador y presentador de radio y televisión.

Es el máximo representante de la negritud en el Perú por ser el primer poeta en tratar el tema negro resaltando la importante e inequívoca aportación del afroperuano en el devenir histórico del Perú. Prueba de ello es la designación del 4 de junio, fecha de su nacimiento, como Día de la Cultura Afroperuana.Ademas cabe destacar la labor de su hermana exelente cantante y brillante docente.


RITMOS NEGROS DEL PERÚ


A don Porfirio Vásquez A.


Ritmos de la esclavitud

Contra amarguras y penas.

Al compás de las cadenas

Ritmos negros del Perú.



De África llegó mi abuela

vestida con caracoles,

la trajeron lo` epañoles

en un barco carabela.

La marcaron con candela,

la carimba fue su cruz.

Y en América del Sur

al golpe de sus dolores

dieron los negros tambores

ritmos de la esclavitud


Por una moneda sola

la revendieron en Lima

y en la Hacienda “La Molina”

sirvió a la gente española.

Con otros negros de Angola

ganaron por sus faenas

zancudos para sus venas

para dormir duro suelo

y naíta`e consuelo

contra amarguras y penas...



En la plantación de caña

nació el triste socavón,

en el trapiche de ron

el negro cantó la zaña.

El machete y la guadaña

curtió sus manos morenas;

y los indios con sus quenas

y el negro con tamborete

cantaron su triste suerte

al compás de las cadenas.


Murieron los negros viejos

pero entre la caña seca

se escucha su zamacueca

y el panalivio muy lejos.

Y se escuchan los festejos

que cantó en su juventud.

De Cañete a Tombuctú,

De Chancay a Mozambique

llevan sus claros repiques

ritmos negros del Perú.

Nicomedes Santa Cruz (1957)

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Geraes "Milton Nascimento" (Brasil , Tropicalismo , folclore 1976)

Cuando los pajaros cantan , solo cabe escucharlos y disfrutar de la naturaleza , Gracias Milton Nascimento por tu voz ,  y por tu musicaliad  , este albun considero  que es un gran disco . Musico arreglador y compositor brasileño, con una extensa y conocida discografia. Aca esta su disco de 1976 que cuenta con la participacion del grupo chileno Agua en cuatro temas, incluida la famosa version de Volver a los 17 de Violeta Parra, acompañados ademas de Mercedes Sosa. Un disco muy interesante que vale la pena tenerlo.


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ASSIA MINOR Between Flesh and Divine(rock Progresivo - Turco 1981)


Segundo disco de esta excepcional banda turca que al no encontrar las oportunidades de difusion para su musica en su natal Turquia se mudaron a Francia, en donde editaron sus discos cargados de influencias étnicas propias de su zona, sumado a ciertos aires de bandas como Camel, Pink Floyd, King Crimson y con la flauta, los teclados y guitarras a la cabeza, conformando asi el sonido de Asia Minor, que es de unos tonos mas bien oscuros, pero llenos de fluidez y brillo propio.

Setrak Bakirel: voice, guitars, bass
Lionel Beltrami: drums, percussion

Robert Kempler: keyboards, bass

Eril Tekeli: guitars, flute

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Hugo Fattoruso & Tomohiro Yahiro - "Dos orientales" (Uruguay musica popiular de Uruguay)

 La  verdad que este disco me impacto  , cuenta la leyenda que Hugo Fattoruso vivía en Río de Janeiro donde era tecladista de la banda de Djavan. Antes de una gira a realizarse por Japón se entera de la existencia de Tomohiro. Le contaron que era un excelente percusionista y que hablaba español. Después de más de 22 horas de viaje, ocurrió el encuentro en un hall de hotel.Esa misma noche grabaron juntos con la banda de Tomohiro “Speack and Spam”. Así comenzó a materializarse la idea del dúo Fattoruso – Yahiro, y graban en Japón su primer CD al que llamaron “Dos Orientales”. El repertorio surgió de lo que iban proponiendo y componiendo, siempre trabajados en principio para la formación de Piano y Percusión. También, eligen temas de otros compositores que les gustan y los versionan como es el caso de “Esa Tristeza”.

“Tomohiro es un percusionista de alta excelencia, especialmente los arreglos que hace a las músicas de nuestro repertorio. No es solamente un “ritmista”, es un capo arreglador” según manifestó Hugo.
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Juancho Perone (Folclore , Argentina 2008)




Aca les dejo un disco que escuche en los ultimos meses y me mato , un albun barabaro yo a este artista  lo conoci como acompañante de otros musicos y  la verda que realmente es muy bueno, un percusionista que se aleja de las convenciones a la hora de agregar el soporte percusivo a la música folclórica. Es un disco en vivo donde toca con monstruos como Carlos "Negro" Aguirre, Lilián Saba, Raúl Carnota, Eduardo Spinassi y otros.

Les dejo un comentario del disco de Juan Falu  que extraje de taringa ,muy interesante sobretodo para bateristas.

Juancho, siempre pensé que la percusión en nuestro folclore tiene que honrar la tradición del bombo al estilo de Vitillo Ábalos, continuar las audacias de Domingo Cura y animarse a una convivencia armoniosa aun con las músicas nuestras que nunca la incluyeron antes.

También pienso que la modalidad de la batería muy a la ligera, impuesta en chacareras y chamamés, representa un modo invasivo y poco artístico de "percutir" en el folclore.

Hace ya tiempo que venís trajinando para contrarrestar la fácil tentación de meterle a los palos sin pausa ni fundamento, y este tranajo que acabo de escuchar confirma tu arte.

Te felicito por tu disco en vivo, sus sutilezas, por el repertorio y las buenas compañías.

Un abrazo, Juan Falú."
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Los cuatro cuartos(grupo vocal folkore Chile)




La verdad este disco me parecio muy bueno , llegue a el gracias a un compañero de secundaria Chileno realmente merece la pena ser escuchado .

Reseña biografica.

Los Cuatro Cuartos son un conjunto chileno líder del movimiento que pasó a llamarse "Neofolklore".

Vestidos de smoking y a la usanza de los conjuntos argentinos "Los Huanca Huá" y "Los Trovadores del Norte" plantearon una nueva forma de armonizar la música de raíz folclórica.

En un comienzo eran cuatro: Luis Urquidi, Pedro Messone, Raúl Morales y Fernando Torti.

Rápidamente se integra Carlos Videla, y a los pocos meses Willy Bascuñán toma el lugar de Morales.

Luego de las primeras grabaciones de éxito, como el single "Qué bonita va", "Juan Payé" y otros,

Messone deja su lugar a Sergio Lillo, quien sería el solista "tradicional" del grupo.

Consiguen rápido éxito y su fórmula da origen al conjunto femenino "Las cuatro brujas"

y a que aparezcan numerosos otros conjuntos como "Los de Santiago", "Los de las Condes",

"Los Paulos", "Las del Juncal", "Los de la Escuela", "Los del Pillán",

por mencionar algunos.

En 1965, además, ganan el festival de Viña interpretando "Mano nortina" de Kiko Álvarez.

bibliogaria : Folclore de raiz
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Dena DeRose, "Live at Jazz Standard. Volume One" ( Jazz 2007 EEUU ).


 Este es muy buen disco que descubri este año y me resulto muy atractivo , Dena DeRose lo tiene todo: es una dinámica pianista de jazz, una convincente cantante y una innovadora compositora y arregladora. En su nuevo lanzamiento para MaxJazz, Live at Jazz Standard (Vol. 1), interpreta standards clásicos, y también algunos modernos, poniendo su sello musical singular en cada uno de ellos. secundada por una sección rítmica de primerísima calidad (Marti Wind en bajo y Matt Wilson en batería). Este formidable trío ha estado junto por los últimos siete años, y retoman ahora lo que habían dejado en el críticamente aclamado álbum debut de Dena para MaxJazz, A Walk in the Park.



 Fuente : la monga blog
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Luzmila Carpio "Reina Del Folclore " 1971 -Bolivia (Musica Andina Tradicional )


 Aqui les traigo una de las expresiones del canto andino ,desde mi punto de vista , de las mas interesantes lamisma toma forma en la voz de   Luzmila Carpio  quien es perteneciente al ayllu Panacachi, nacio en la comunidad de Qala Qala , una region norte Potosina ubicada en los Andes Bolivianos sobre 4000 mts. sobre el nivel del mar. Una region de Bolivia conocida por ser el centro del oro durante casi mas de un siglo. Una region donde las mujeres mantienen viva la tradicion del canto, de generacion en generacion. Una region donde el canto significa agradecimiento a la naturaleza por el agua concedida, agradecimiento por las cosechas, agradecimiento por la belleza.
"Mi madre , evoca Luzmila, era una enciclopedia de ecologia: le cantabamos al campo. Me decia. . . . . " a esta florcita chiquita a ver cantale y de por si se va abrir, mira sus petalos, cantale y se va cerrar tambien. Y para mi asombro la florcita tambien se cerraba y se abria, y es que cuando las plantas escuchan musica reaccionan. Mi mama explicaba. . . . . "es que las florcitas tienen verguenza". Hoy en dia es tan insignificante todo esto. Mi madre me enseñó a vivir el presente siempre mirando el pasado, en las grandes ciudades impera la individualidad y no existe el sentido de la solidaridad y la comunidad."
La ciudad, esta realidad apurada que obliga a vivir a empujones, genera paisajes sonoros de particulares violencias y ternuras encubiertas. Paisajes de sonoridad creados por el hombre. Asi se olvida una antigua relacion de respeto con la naturaleza, convirtiendo esa relacion en una transaccion de constantes apropiaciones y conversion de valores. "
El canto estuvo desde siempre en la voz y en el corazon de Luzmila Carpio, el pasado regresa al presente. Tiene 11 anos, esta en Oruro ciudad minera de Bolivia, donde vive con su hermana mayor, ". . . . es ahi donde escucho por primera vez una radio a transistores, un programa para ninos-recuerda-como han llegado ahi esos ninos?, yo tambien quiero cantar".
La curiosidad el deseo, la llevan a los estudios de una Radio primero y despues a otra. En esta Radio Universidad de Oruro, conoce a un musico no vidente, el pianista Ricardo Cortes Cortes, quien la escucha cantar las tonadas de su tierra. Confia en su talento y guia sus primeros pasos.
Asi, desde 1969 año en el cual graba sus primeros titulos hasta hoy realiza giras en el mundo entero, siendo una gran embajadora de la cultura quechua para la cual "la musica y el canto constituyen un medio privilegiado para comunicarse con las fuerzas de la naturaleza, las plantas, las montanas, los lagos, el sol y la luna". El canto para Luzmila Carpio es un compromiso. A la artista le gusta transmitir un mensaje a traves de su musica. Y este mensaje no es otro que la cosmovision de su cultura (la forma de ver al mundo desde una propia perspectiva) de la que el mundo puede aprender mucho.
Ha ganado la admiracion del publico por la pureza excepcional de su voz capaz de subir hasta alturas insospechadas y por la gran calidad de su repertorio, alimentado de las fuentes mas puras de una tradicion venida desde el fondo de las deidades.
Luzmila Carpio, recorre el mundo para hacer conocer la voz de su pueblo y luchar por el respeto de su identidad, porque cuando ella canta, no es ella sola, sino que son generaciones milenarias que pasan por su voz.
Reseña biografica extraida de wikipedia .

link de descarga
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Bill Evans Trio-En vivo en Buenos Aires-1979

Este disco es muy bonito  y tiene la particularidad de ser  una grabacion Hecha en buenos Aires quisas eso explique el porque de la incorporacion de esta placa en esta seccion  ,  su fallecimiento en 1980 dejo huerfano al piano en el jazz de uno de susu exponentes mas relevanbntes ,desde el punto de vista de la técnica pura, los conocedores en la materia plantean que  Bill Evans, sea posiblemente uno de los pianistas mas dotados en la historia del jazz, y desde luego el pianista más influyente del jazz moderno después de Bud Powell. Su carrera comenzó en 1954, una vez cumplido el servicio militar en orquestas de baile como las de Herbie Fields y Jerry Wald, acompañando a oscuros cantantes o formando parte de la banda de Tony Scott. El guitarrista, Mundell Lowe, contribuyó notablemente a relanzar su carrera cuando lo contrató para su grupo tras haberlo escuchado en New Orleáns, donde Evans había cursado estudios superiores de música.

Bill Evans, inauguró una corriente neorromántica pero también creó el concepto de trío, hasta entonces inédito- al que llegó en colaboración de estos dos grandes músicos. Al margen de consideraciones históricas, es justo reconocer el merito de Evans en una época en que el jazz andaba por otros derroteros. No en vano el propio LaFaro, venía de formar parte del doble cuarteto de Ornette Coleman, que dio carta de naturaleza al freejazz.
"Waltz for Debby" es un álbum, que responde fielmente al estilo que el pianista propuso desde el principio de su carrera. Fuertes dosis de romanticismo pianístico altamente sofisticado y siempre ensayando nuevas combinaciones armónicas inspiradas a veces por la música de los impresionistas europeos. El timbre aterciopelado de su música que algunos relacionan con su origen de flautista, la armonía y el empleo de figuras rítmicas muy características- con abundante recurso a los ritmos de 3/4- hacen que su estilo sea identificable casi al momento.

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sábado 9 de julio de 2011Toots Thielemans, "Chez Toots" (1998).




"Chez Toots" (1998)Toots Thielemans armonica  clasicos de la musica popilar de Francia jazz varios -


 Muy buen disco , la armónica puede enviar un mensaje lírico tan bien como lo hace un cantante, si está bien tocada. Toots Thielemans ha estado enviando el mensaje correcto por más de 40 años. Pero son sus años del principio, los de cuando crecía en su Bélgica nativa, los que refleja el maestro de la armónica en este disco de canciones de amor perdido cantadas en francés. Los arreglos se arraigan en un jazz bien directo, pero con alguna que otra contorsión. A Thielemans lo secundan el pianista Bert van den Brink, el bajista Hein Van de Geyn y el baterista Andre Ceccarelli. Varios de los invitados fueron grabados junto al cuarteto en vivo, otros fueron doblados a larga distancia con el auxilio de cintas grabadas.

En manos de Thielemans, la armónica cromática parece una extensión de la voz humana. Su ejecución en "Ne me Quitte Pas", por ejemplo, un dueto dramático con el piano, aumenta la cantidad de expresión que ponen en ella muchos cantantes. En efecto, esta parece ser la intención de esta sesión; el incrementado nivel de expresión de Toots hace contraste con el abordaje que hacen los cantantes, en tono menor. La mitad de estas canciones incluyen participaciones vocales.

En las notas del álbum, Thielemans cuenta su infancia en Bruselas, donde sus padres poseían un café callejero. Recordando su diversión de los días domingos y el comienzo de su carrera musical a los 4 años con el acordeón, Thielemans dice que él diseñó este álbum para poder compartir miradas que él tiene de aquellos primeros años suyos.

Fuente: la monga blog


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